Empört euch! ist nicht gerade ein Buch, sondern eher ein Heft, vielmehr noch ein Heftchen, dessen Metainformatio-nen, Fußnoten usw. exakt so viele Seiten einnehmen wie der Text an sich (16), aber das soll ihm nicht angekreidet werden. Im Oktober 2010 erschien der Text in Frankreich und knackte sogar die Millionenauflage, im Januar 2011 auch in Deutschland, mittlerweile in der neunten Auflage. Stéphane Hessel selbst hat eine eindrucksvolle Biographie, wurde in Berlin geboren, wuchs in Paris auf, war Mitglied der Résistance, wurde in Paris von der Gestapo verhaftet und nach Buchenwald gebracht. Nach etlichen Fluchten aus verschiedenen Lagern kam er wieder nach Frankreich, erhielt dort die französische Staatsbürgerschaft und wurde Diplomat. Der Höhepunkt seiner Karriere war die Mitunterzeichnung der Menschenrechtskonvention. Nun, mit 93 Jahren, schrieb er seinen Aufruf, der Empörung nicht müde zu werden.

Nunja, bei Amazon schrieb ein Rezensent, man wüsste bereits alles, wenn man den Titel gelesen hätte, auch Deutschlandradio Kultur fand das Buch eher beherzt als originell. Und irgendwie stimmt das auch, wenn man schon auf der ersten Textseite die Quintessenz desselben findet: "Wir alle sind aufgerufen, unsere Gesellschaft so zu bewahren, dass wir auf sie stolz sein können." Leider reichen wird auf den 16 Seiten so gut wie nie einer solcher Sätze näher ausgeführt oder argumentativ belegt, was spätestens dann prekär wird, wenn er von der Geschichte als sinnvolle und letztlich endliche Abfolge von Herausforderungen zur Erringerung der größtmöglichen Freiheit des Menschen spricht. Die meisten Nicht-Hegelianer wurden bei so etwas sofort sauer aufstoßen.

Egal, Hessel sieht also einen Sinn darin, sich zu empören, da man nur auf Grund einer Empörung beginne, Dinge verändern zu wollen, was wiederum notwendig sei, um die größtmögliche Freiheit des Menschen und damit eine lebenswerte Welt zu erkämpfen. Heutzutage sei das Unrecht schwer zu erkennen (wirklich?), es verstecke sich in wilden Netzen der globalen Finanzmärkte, in der Armutsschere und an Orten, wo Menschenrechte mit Füßen getreten werden (er nimmt als Beispiel Israels Kriegsverbrechen). Widerstand zu leisten heiße jedoch nicht, mit Gewalt vorzugehen, noch weniger, mit Gegengewalt auf einem selbst entgegen gebrachte Gewalt zu reagieren. Für Hessel führt allein die friedliche und gewaltlose Auseinandersetzung zum Erfolg. Insofern sieht er gerade Terrorismus als hoffnungslosesten aller Widerstände. Die Welt habe bereits große Fortschritte gemacht, aber noch sei nicht alles gut und drohe sogar ins Schlechte umzukippen, wenn nicht alle Menschen sich empörten und Widerstand leisteten.

Nunja, das klingt doch alles ganz nett. Und so beschleicht einen beim Lesen all dieser "Nun macht doch mal, empört euch und leistet Widerstand, anders wird nie alles gut werden. Aber wenn ihr euch empört, dann wird alles super!"-Sprüche das ständige Gefühl, mit elterlichen Weisheitssalven wie "Mach' doch was mit Politik, du liest doch immer Zeitung!" bombadiert zu werden, worauf die einzige und ehrlichste Antwort nur sein kann: "So einfach ist das leider nicht." Und genau diesen Satz möchte man Hessel am liebsten nach jedem Absatz in sein Heft schreiben, denn so einfach, wie er es sich (größtenteils nur thesenhaft) vorstellt, funktioniert die Welt dann doch nicht, was gerade er als Ex-Diplomat wissen sollte. Sodass der Absatz aus der Deutschlandradio-Rezension völlig zutrifft:

"Empört Euch! erreichte in Frankreich Millionenauflage. Die Gründe dafür sind nicht im intellektuellen Gewicht, der zeitdiagnostischen Präzision oder der stilistischen Brillanz zu suchen. Täglich liest man Zeitungsartikel auf ähnlichem oder höherem Niveau. Die Schrift profitiert von der freundlichen Autorität Hessels, von seiner unaffektierten Besorgtheit, von der Wucht eines bewegten Lebens - und davon, dass der ehemalige Résistancekämpfer und KZ-Überlebende sein Publikum nun vom Grabesrand grüßt. Empört Euch! wiegelt nicht wirklich auf - es berührt."
Deutschlandradio Kultur: Beherzt, aber nicht originell

Denn tatsächlich ist das verlegerische Nachwort, das eine Quasi-Biographie Hessels enthält, der beste und eben berührendste Teil des Heftchens. Der Text an sich ist gut gemeint, niemand wird ihm im Großen und Ganzen (bis auf einige Thesen, insbesondere sein Standpunkt zu Israel) widersprechen und sicherlich mag er in Frankreich einen zeitlichen Nerv getroffenen haben, aber sonderlich wissenschaftlich, aufrührerisch oder tiefgründig ist er leider nicht.

Stéphane Hessel: Empört euch!
Ullstein, 32 Seiten
ISBN: 9783550088834

Weil sich Alex und Marie in Ruhe auf ihr Examen vorbereiten wollen, fahren sie zu Alex' Eltern aufs Land. Erst spät abends kommen sie bei dem abgelegenen Haus an, sodass sie die Alex' Vater, Mutter und ihren kleinen Bruder nur kurz begrüßen, etwas essen und danach gleich ins Bett gehen. Während Alex längst schläft und Marie noch Musik hört, bemerkt sie irgendwann das Näherkommen eines Autos. Ein alter Lieferwagen hält direkt vorm Haus, die Scheinwerfer auf die Haustür gerichtet. Heraus steigt ein Mann in Arbeitskleidung und klingelt Sturm. Als Alex' Vater öffnet, kann Marie von ihrem Zimmernfester aus sehen, wie der Unbekannte durch das Sichtfenster in der Haustür auf Alex' Vater einsticht. Der Mann verschafft sich Zugang zum Haus, erledigt den Vater endgültig und trennt ihm mit einer Kommode anschließend den Kopf ab.

In voller Angst beginnt Marie, ihr Zimmer so herzurichten, dass es aussieht, als wäre es unbewohnt und versteckt sich unter dem Bett. Als der Killer Maries Zimmer inspiziert, scheint er zwar zuerst noch misstrauisch zu sein, aber dann lässt er ab und widmet sich den übrigen Bewohnern des Hauses. Marie schleicht sich nach unten und findet Alex angekettet und geknebelt in ihrem Zimmer. In der Hoffnung, ein Telefon zu finden, rennt Marie ins Schlafzimmer der Eltern, muss sich dort jedoch im Wandschrank verstecken, weil der Killer vorbei kommt. Auf diese Weise muss sie mit ansehen, wie Alex Mutter umgebracht wird. Ihr kleiner Bruder rennt währenddessen panisch aus dem Haus, aber der Killre folgt auch ihm und erlegt ihn buchstäblich in anliegenden Maisfeld. Als Marie es nicht schafft, Alex zu befreien, zerrt der Killer sie schließlich in seinen Lieferwagen. Marie, die sich längst mit einem großen Messer bewaffnet hat, schleicht sich in einem unbeobachteten Moment ebenfalls in den Wagen und hofft, den Mann so noch vor der Abfahrt selbst umbringen zu können, wird aber kurzerhand und ohne Wissen des Mannes einfach mitgenommen.

Direkttension

An einer Tankstelle hält der Killer, um seinen Lieferwagen zu betanken und Marie gelingt die Flucht. Sie versucht, den Mann an der Kasse davon zu überzeugen, dass der Mann in den Arbeitsklamotten ein Killer ist. Als dieser herein kommt, ist die Stimmung angespannt. Da er es noch nicht geschafft hat, die Polizei zu rufen, muss er den Killer irgendwie abwimmeln, aber dieser ist gerade in Plauderlaune und wittert, was gespielt wird, sodass auch der Tankstellenwart mit einer Axt im Bauch endet. Als Marie daraufhin in der Tankstelle ausharrt, bis der Lieferwagen davon fährt, versucht sie, die Polizei zu alarmieren, kann aber nicht erklären, wo sie sich befindet. Deshalb greift sie zu dem Autoschlüsseln des Tankwarts und nimmt selbst Verfolgung auf.

Am Anfang dachte ich: "Ok, ja, so darf ein New French Extremity-Film beginnen, mit zwei singenden Mädchen im Auto auf der Fahrt zu den Eltern des einen." Dann sah ich den Lieferwagen, in dem dessen sich von einem abgetrenten Frauenkopf einen blasen ließ und ich dachte: "Ok, könnte lustig werden." Dann wurde es dunkel, die Mädchen fuhren plötzlich durch ein Maisfeld und ich dachte: "Och nö, nicht das jetzt." Dann hielten die Mädchen tatsächlich, weil eine der beiden angeblich etwas gehört hatte und das andere Mädchen blieb mutterseelenallein im Auto zurück und ich dachte: "Nein nein nein, bitte nicht, warum solch ein Quatsch?" Dann ging das zweite Mädchen das erste suchen, rannte auch ins Maisfeld und ich dachte: "Meh, meh meh!" Aber dann, ein paar schnelle Schnitte, beide Mädchen wieder da und ich dachte: "Ach! Die eine hat die andere nur verarscht! Zum Glück!"

Es wäre auch sehr schade gewesen, wenn sich High Tension mit diesen Horroklischees rumgeplagt hätte, fand ich ihn doch eigentlich ganz gut. Neu war mir jedenfalls, dass ein Film so oft und so offensichtlich auch solche Klischees persifliert. Aus dem Stehgreif würden mir direkt drei Szenen einfallen, bei denen jeder denkt: "Ahja, ok, das wird also in den nächsten 30 Minuten passieren." Aber zum Glück passiert genau das nicht. Natürlich, man wird sich ausrechnen können, dass bei einem Horrofilm Blut fließen und es sich ums Verstecken, Quälen, wasweißich drehen wird, aber wenn dabei heutzutage wenigstens die absoluten Standardwandungen großräumig umfahren werden, dann bin ich schon einmal sehr dankbar.

Was High Tension von vielen Horrofilmen abhebt ist, dass die Schauspieler wirklich gut spielen, dass man ihm einen guten Soundtrack verpasst hat und vor allem Anderen: dass er über eine Wendung verfügt. Keine weltbewegende, unglaublich neue, keine Mehrfachwendung wie bei Martyrs, aber doch eine solche, die zumindest mich dazu gebracht hat, noch einmal meine Meinung zu Film zu ändern, sodass ich ihn in dieser Form ziemlich gut finde.

Inwieweit der Film zur New French Extremity zu zählen ist, ist sicherlich streitbar. Ich würde ihn auf jeden Fall dazu zählen, obwohl klar ist, dass er eher einer der seichteren und massenpublikumsverträglicheren Filme dieser Sorte ist. Schon ziemlich aufs große Kino getrimmt, scheint er zu sein, wenn man auch am Ende noch einmal, so sieht es zumindest aus, alles loslassen wollte, was man sich nur vorstellen konnte. Und das ist wirklich sehr gut, gerade da sonst größtenteils auf typische Body-Horror-Elemente verzichtet wird und die Kämpfe fast ein wenig alt-horrorhaft daher kommen, von wegen "übermächtiger Killer macht kurzen Prozess mit möglichst vielen Opfern". Aber all das relativiert sich dann schnell wieder, wenn die Wendung passiert ist und man all das noch einmal in anderer Perspektive sieht. Ich für meinen Teil war hin- und hergerissen, am Anfang noch gar nicht so gut auf den Film zu sprechen, jetzt würde ich seine IMDB-Wertung von 6.8 durchaus unterschreiben.

High Tension
2003, 91 Minuten
Regie: Alexandre Aja
Drehbuch: Alexandre Aja, Dean R. Koontz
Mit: Cécile De France, Maïwenn Le Besco, Philippe Nahon

Es ist schon eine Weile her, da ich etwas über Martyrs schrieb, tönte, ich würde in Zukunft mal ein paar gute Horrorfilme vorstellen und dann fast zwei Monate nichts darüber verlauten ließ. Zu meiner Verteidigung: Horrorfilme zu mögen ist nicht leicht, wahrscheinlich vergleichbar mit einer Sympathie für Actionfilme oder Telenovelas. Man muss ganz schön viel Stuss ertragen, ehe man hin und wieder ein gutes Genreexemplar finden darf. Deshalb heute: Der französische Film Inside, im Original À l'intérieur genannt.

Direktinside

Achtung, nachfolgend Spoiler und Bilder, die manche feine Seele beunruhigen könnten.

Sarah ist Zeitungsfotografin und hat vor vier Monaten bei einem schweren Autounfall ihren Mann Matthieu verloren. Glücklicherweise hat ihr noch ungeborenes Kind keine Schäden genommen und soll nun, wie sie im Krankenhaus von einem Arzt erfährt, am ersten Weihnachtstag, zu Welt gebracht werden. Sarah will Heiligabend nicht mit ihrer Mutter verbringen, sondern allein sein, im Park fotografiert sie am Nachmittag wahllos ein Paar mit ihrem Kind und macht mit ihrem Redaktionschef und Freund Jean-Pierre aus, das er sie am nächsten Morgen zu Hause abholt und ins Krankenhaus fährt.

Den Abend vertändelt Sarah in ihrem Haus in einer abgelegenen Siedlung, schläft irgendwann ein und wird von der Türklingel geweckt. Sie öffnet nicht, aber fragt durch die Tür, wer dort sei. Eine Frau antwortet, sie müsse nur kurz telefonieren, sie habe eine Panne am Ende der Straße gehabt und hätte kein Handy. Sarah weigert sich, die Tür zu öffnen und erklärt, ihr Mann schlafe bereits und wolle nicht gestört werden. Die Frau aber erwidert, dass Sarah gar keinen Mann mehr habe und weigert sich, zu einem der Nachbarn zu gehen. Sarah flüchtet ins Wohnzimmer, aber die Frau steht bereits an einem der großen Panoramafenster. Mit ihrer Kamera versucht Sarah Fotos von der Frau zu machen, die bald auf die Scheibe einschlägt und sie zum Reißen bringt. Als Sarah schließlich die Polizei ruft, verschwindet die Frau.

In ihrem Labor entwickelt Sarah die Fotos der Frau und vom Nachmittag. Auf letzteren bemerkt sie, das schon dort im Hintergrund die Frau zu sehen ist, nur leider sind die Bilder, die sie von ihr an der Terrasse gemacht hat, nur schwer zu erkennen. Kurze Zeit später nimmt die Polizei den Fall auf und erklärt, es werde in der Nacht noch einmal ein Streifenwagen vorbeischauen. Sarah legt sich in ihrem Schlafzimmer im ersten Stockwerk ins Bett und schläft ein, aber die dunkel gekleidete Frau, die vorher an der Tür war, ist längst mit ihr im Haus. Im Badezimmer besorgt sie sich eine Flasche Alkohol, mit dem sie eine große Schneiderschere desinfiziert, ehe sie sie der schlafenden Sarah langsam durch den Bauchnabel stößt. Sarah wacht auf und wehrt sich, bekommt einen Schnitt mit der Schere ab, kann aber die Frau für kurze Zeit mit ihrer Nachttischlampe niederschlagen und sich ins Bad retten.

Währenddessen schaut Jean-Pierre doch noch überraschend vorbei, Sarah hat sich noch immer im Bad eingesperrt und die dunkel gekleidete Frau geht, ihm zu öffnen. Fälschlicherweise hält er die Frau für Sarahs Mutter, doch als ebenfalls Sarahs echte Mutter ins Haus kommt, droht die Frau mit der Schneiderschere aufzufliegen. Sarah hat sich unterdessen mit einer langen Haarnadel bereit gemacht, hört die Fußschritte vor der Badtür, reißt sie auf und rammt ihrer Mutter die Nadel in den Hals. Als sie realisiert, dass sie die Falsche getötet hat, bricht sie in Tränen aus. Jean-Pierre will der Mutter nachgehen, aber als er sieht, dass sie tot auf dem Treppenabsatz liegt, wird er schon hinterrücks von der Frau überrascht, die ihm zuerst ihre Schere durch die Kniekehlen und anschließend durch ein Kissen so stark sie kann in den Kopf rammt. Nachdem die Eingedrungene sich so der vermeintlichen Eindringlinge entledigt hat, wendet sie sich wieder Sarah zu, die sich wieder im Bad eingeschlossen hat.

Wer mehr von der Handlung wissen will, hier gibt's alles.

Meiner Meinung nach schlägt Inside (À l'intérieur) bspw. Martyrs in Sachen Body Horror um Längen. Zwar kann die "Junge Frau mit Baby allein zu Haus wird von verrückter Frau überfall"-Story keineswegs mit den Wendungen und der insgesamt großartigen Idee hinter Martyrs nicht mithalten, daran ändert auch die letztendlich Aufklärung am Ende nichts, dafür gibt es bei Inside gut 70 Minuten hindurch nichts als Body Horror in Reinform, genretypisch außer Kontrolle, aber nur an einer Stelle wirklich absurd wirkend (wer weiß, warum das sein musste, ich fand die Stelle – wer den Film kennt, wird sich denken können welche – völlig unnötig). Zwar gibt es im Film einige Klischees – das Opfer versteckt sich natürlich im schlechtesten Versteck ever etc. – aber was man der New French Extremity zu Gute halten muss ist, dass sie die Zuschauer selten veralbert, indem die Figuren vollkommen sinnlos handeln, nur um in irgendeiner Weise mehr Spannung zu erzeugen. Auch hier entsteht die Spannung dadurch, dass der Film zwar sehr krass, aber eben nicht völlig abstrus ist. Es gibt keine Superhelden oder Überkiller, sondern wenn der dunklen Frau eine Stricknadel durch den Arm gejagt wird, dann tut das auch ihr ziemlich weh. Trotzdem ist bei Inside wohl meine persönliche Grenze des Story-Gore-Verhältnisses erreicht, soll heißen: Für die im Endeffekt nicht total umwerfende, sondern nur gute Story, hängt die Schlacht-Messlatte hier schon ziemlich hoch und drängt sich ein bisschen zu sehr in den Vordergrund. Spätestens ab dem Punkt, als echte Mutter auf Frau auf Jean-Pierre trifft, steigert sich das Gemetzel nur noch, bis in der (dafür zu) plumpen abschließenden Erklärung gipfelt. Aber gut, wie man schon auf dem Titelbild sieht, so lässt sich anscheinend auch die Maxime ableiten: Wenn die Figuren nicht irgendwann von Kopf bis Fuß blutdurchtränkt sind, dann ist es kein Body Horror. Und: Die Abschlussmetapher ist große Klasse und gut durch die Geschichte herbeigeführt. Ich freue mich ja sowieso meist schon, wenn es mal nicht um Zombies geht und die endgültige Auflösung nichts mit Schizophrenie zu tun hat. Und davon gibt's in Inside nichts und nicht nur das macht ihn zu einem sehr guten Horrorfilm.

Inside (À l'intérieur)
2007, 83 Minuten
Regie: Alexandre Bustillo, Julien Maury
Drehbuch: Alexandre Bustillo
Mit: Béatrice Dalle, Alysson Paradis, Nathalie Roussel

Los geht's:
Für seine Bewerbung an der Pariser École des Beaux-Arts hatte der Architektensohn Jed Martin 300 nüchterne Fotos von Eisenwaren eingereicht, die die Perfektion des menschlichen Handwerks in ihrer Alltäglichkeit repräsentieren sollten. Schon während seines Studiums finanziert sich über Aufträge als Objektfotograf und auch danach bleibt er dem Menschengemachten treu. Bei einer Autofahrt entwickelt er plötzlich eine Faszination für die Frankreich-Straßenkarten der Firma Michelin, die ihm viel detailierter, simpler und gleichzeitig lebendiger erscheinen, als es Satellitenbilder je sein könnten. Bei einer Kunstaustellung, zu der er von Ex-Kommilitonen eingeladen wird, beteiligt sich Jed deshalb mit einigen Fotos, für die er Michelin-Karten aus verschiedenen Winkeln aufgenommen und um einen künstlichen Horizont erweitert hat – "Die Karte ist interessanter als das Gebiet", will er sagen.
Als er daraufhin die Michelin-Mitarbeiterin Olga eine Zusammenarbeit vorschlägt, willigt er ein. Seine spätere Einzelaustellung wird ein bahnbrechender Erfolg, die Rezensionen sind außerordentlich gut und binnen kürzester Zeit avanciert Jed zum Vorreiter einer neuen künstlerischen Strömung, die die Rückbesinnung auf das Regionale feiert. Seine Bilder verkaufen sich für tausende Euro, aber erst als sich Jed später von der Fotografie abwendet und beginnt, großformatige Bilder menschlicher Berufe zu malen, gelingt ihm der Aufstieg zum erfolgreichsten Maler Frankreichs. Für den Katalog der zugehörigen Ausstellung will er den Schriftsteller Michel Houellebecq für ein Vorwort gewinnen, also reist Jed nach Irland und trifft dort auf diese kauzige Karikatur des literarischen Volksfeinds Frankreichs, der sich nicht einmal traut, den Rasen zu mähen, weil er Angst hat, er könnte sich dabei die Finger abschneiden. Nachdem Jed an seinem letzten Bild, das die Aufteilung des Kunstmarktes durch Damien Hirst und Jeff Koons zeigen sollte, schwer gescheitert war, entscheidet er sich dafür, die Reihe einfacher Berufe mit einem Portait Houellebecqs abzuschließen und der Schriftsteller willigt ein. Es kommt zum erneuten Treffen, die Ausstellung wird verschoben, das Bild ist irgendwann fertig und auch Houellebecqs ausschweifendes Vorwort trifft bald darauf ein. Als Jeds zweite Ausstellung eröffnet wird, ist der Erfolg noch größer als je zuvor. Über Nacht steigt er zum teuersten Künstler Frankreichs auf, seine Bilder sind plötzlich Hunderttausende Euro wert, wenn nicht sogar mehr und die Dargestellten reißen sich um ihre Portraits. Jed ist nun ein reicher Mann und weiß nichts mit seiner neuen Unabhängigkeit anzufangen. Aber er hatte Houellebecq versprochen, ihm sein Portrait zu schenken, als fährt er noch einmal zum Schriftsteller, der mittlerweile in seinem Geburtshaus im Süden Frankreichs lebt und seinem Ende entgegen sehnt. Als Jed wieder in Paris ist, verlangsamt sich sein Leben zusehends. Wie Houellebecq vereinsamt auch er mehr und mehr, aber es macht ihm nichts aus, sondern erscheint ihm sogar auf eine gewisse Art und Weise natürlich. Bald ist er gänzlich allein, nur seine halb kaputte Heizung leistet Jed Gesellschaft, bis er eines Tages einen Anruf bekommt.

Machen wir's kurz und äußerst subjektiv:
Karte und Gebiet ist für mich der beste aller Houellebecq-Romane, ohne Zweifel, auch wenn sich das Buch nich ganz in die bisherigen Romane einreihen lässt. Man hatte schon bei Ausweitung der Kampfzone, Elementarteilchen, Plattform und Die Möglichkeit einer Insel das Gefühl, das Houellebecq jeweils ein großes Stück der Welt anhand eines kleinen Ausschnitts darstellen wollte, bei Karte und Gebiet geht es aber noch weiter, indem die Künstlergeschichte Jed Martins noch mit so vielen anderen Geschichten verwoben wird, dass am Ende eine Art gesamtgesellschaftliches Abbild entsteht und das Buch, auch weil es ein ganzes Leben umschließt und weit in der Zukunft endet, dadurch umso facettenreicher wird. So gibt es ebenso zu Jeds Künstlerepos noch die schwierige Beziehung zu seinem Vater zu beleuchten, viel Theorie über Architektur, Kunst, Konsum und Politik, die vielleicht nüchtern, aber nicht trocken behandelt wird und immerhin viele kluge Gedanken mit sich bringt, Abrechnungen mit Kritikern, Journalisten, Sterbehelfern, einen Kurzkrimi, Gedanken zur Liebe und zum Alter und und und. Besonders toll sind natürlich jene Stellen, in denen Houellebecq sich selbst auftreten lässt und sich als halb lebensunfähigen und verwahrlosten Mann inszeniert, der mit seiner Wut auf die Welt gutes Geld gemacht hat und jetzt nur noch in Ruhe seinen kauzigen Angewohnheiten nachgehen will. Der große französische Volksfeind jedenfalls scheint in seiner Bitterkeit sogar ein ziemlich lustiger Typ zu sein. Und genau diese Rolle nimmt man dem echten Houellebecq auch ab, wenn man Karte und Gebiet liest, denn es wirkt reifer, weniger wütend, eher gelassen, aber nichtsdestotrotz melancholisch. Vielleicht macht es das im Endeffekt noch tragischer, denn prinzipiell geht es im Buch nur um den beispiellosen Erfolg Jed Martins, aber nichtsdestotrotz scheint er es nie wirklich fassen zu können, das Glück. Vielleicht unterscheidet sich genau darin Karte und Gebiet von allen vorherigen Büchern, dass es nicht schon in der Geschichte pessimistisch ist und sich nicht auf das Anklagen verlässt, sondern diesmal quasi en passant zu zeigen versucht, wie die Welt funktioniert, wie man in ihr Erfolg haben kann und trotzdem irgendwie erfolgreich zum letztendlichen Scheitern verurteilt ist, auch wenn es mit ausreichend Geld gar nicht so schlimm, allenfalls trostlos, ist. Ein großer Roman, der in seiner Wendung ein wenig an französische Body-Horrorfilme erinnert und befürchten lässt, dass Houellebecq seine Selbstbeschreibungen manchmal genau so meint, wie er sie ins Buch hat einfließen lassen und so bald vielleicht keinen Roman mehr schreiben wird. An solch ein großartiges Buch wie Karte und Gebiet nahtlos anzuknüpfen, wird jedenfalls ein hartes Stück Arbeit.

Michel Houellebecq: Karte und Gebiet
416 Seiten
Dumont 2011
ISBN: 9783832196394

Eigentlich wollte ich eine bombastische Rezension zu Synecdoche New York schreiben, diesen Charlie-Kaufman-Film, den mir ein befreundeter Kollege im letzten Sommer empfohlen und ich daraufhin völlig zu Unrecht ewig und ungesehen herumliegen hatte. Ich kannte Adaption, in dem Kaufman selbst als Drehbuchautor ein Skript über Orchideenjäger schreiben soll, es aber nicht fertig bringt und kurzerhand daraus ein Skript über sein eigenes Scheitern macht. Dieser Film war schon ziemlich verrückt, aber man konnte ihm durchaus leicht folgen. Synecdoche New York legt da noch einmal ein paar Schippen drauf, mehr Erzähl- und Handlungsebenen, mehr Charaktere und Schicksale, die sich darüber hinaus auch noch alle irgendwie zu durchsteigen scheinen – und nebenher immer dieses dauerhaft brennende Haus. Aber es ist gut, wenn man sich wenigstens ärgert, solch einen Film so lang unbeachtet gelassen zu haben, weil er auf den ersten Blick ja nicht so außergewöhnlich zu sein scheint und einen die zwei Stunden dann doch hin und wieder abschrecken. Man sollte nur nicht den Fehler begehen und den Film überhaupt nicht sehen, denn er lohnt sich. Und eigentlich wollte ich diese bombastische Rezension schreiben, fand aber schon auf der ersten Seite der Google-Treffer eine, die mindestens genau so gut ist, wie alle, die ich hätte schreiben können, wahrscheinlich sogar besser. Außerdem, welche Filme, als die von Charlie Kaufman, eignen sich auch besser dazu, sich das Gescheitertsein einzugestehen und einfach keine eigene Rezension zu schreiben? Schließlich ist Zitation auch so eine Form von Anerkennung und nicht immer gleich der erste Schritt zum Plagiat. Also warum nicht einfach eine kleine Ehrerbietung an eine Rezension, die schon da und vor allem gut ist?

"Philip Seymour Hoffman spielt den Theaterdirektor Caden Cotard; einen depressiven Mann Anfang 40, dem sein Leben entgleitet. Es beginnt mit körperlichen Deformationen – ein defekter Wasserhahn knallt ihm ins Gesicht, auf seiner Haut bilden sich hässliche Ekzeme, er ist besessen von der Farbe seiner Ausscheidungen – und geht weiter über die Trennung von seiner Frau (Catherine Keener), die die gemeinsame Tochter mitnimmt. Die Frau ist eine Künstlerin, deren Bilder so klein sind, dass man zum Betrachten eine Lupe braucht. Cotard, der zu Beginn noch ganz konventionell Arthur Millers Tod eines Handlungsreisenden inszeniert (auch so ein Stück über eine Lebenskrise) geht künstlerisch dann in die entgegengesetzte Richtung: Es wird immer größer. Ein Stipendium erlaubt dem Theaterregisseur ein geradezu bombastisches Projekt: Cotard lässt in einer riesigen Lagerhalle die Stadt New York nachbauen und darin das Leben als solches nachspielen." (Quelle: Kein Blut, Rot!: Synecdoche, New York – erste Sichtung

"Caden, soviel wird klar, blickt nicht mit Hilfe der Kunst auf die Welt. Er blickt überhaupt nicht auf die Welt, die Kunst ist kein Mittel mehr, sondern Zweck, und in ihr erkennt er immer wieder nichts anderes als sich selbst. Ob in den erwähnten Fernseh-Werbespots oder im Lebenshilfe-Bestseller der langbeinigen und erbarmungslosen Psychologin Madeleine Gravis (Hope Davis) – alles ist für ihn persönlich geschaffen. Auch in seinem größten Projekt, der monumentalen Inszenierung einer Theaterversion von New York in einer riesigen Lagerhalle, dreht sich letztlich alles um ihn selbst. Wir erinnern uns: Schauspieler spielen dort die Menschen aus Cadens Leben, und für seine eigene Rolle engagiert er den melancholischen Stalker Sammy. Um es mit Cadens eigenen Worten zu sagen: 'To delve into the murky cowardly depths of my lonely fucked-up being.'
Er sucht, sich mit Hilfe der Kunst zu vergrößern. Was natürlich misslingt." (Quelle: Kein Blut, Rot!: Synecdoche, New York – zweite Sichtung

Bitte hier (Teil 1) und hier (Teil 2) beide Teile einer sehr guten Rezension von Kein Blut, Rot! lesen. Im Kino wird man den Film wohl nicht mehr sehen können, dafür kann man ihn bspw. hier auf DVD kaufen. Meine Empfehlung sei hiermit ausgesprochen.

Synecdoche, New York
2008, 124 Minuten
Regie: Charlie Kaufman
Drehbuch: Charlie Kaufman
Mit: Philip Seymour Hoffman, Samantha Morton, Michelle Williams

Craig (Keir Gilchrist) ist 16 und besucht eine Schule, in der nur die 800 besten Schüler des Bundesstaates aufgenommen werden. In ein paar Tagen läuft die Bewerbungsfrist für die summer school ab, deren Besuch sich so schön in der Collegebewerbung machen würde und ohne den sein weiteres Leben eher ab- statt aufwärts verlaufen würde, aber Craig fühlt sich alledem mehr und mehr nicht gewachsen. Sein Vater drängt ihn zu Bestleistungen, seine Schwester ist ein kleines Wunderkind und sein Kumpel Aaron scheint in allem immer ein ganze Stück besser zu sein, außerdem ist er mit Nia, seiner heimlichen Liebe, zusammen.
Als Craig sich nun einer Wochenendnacht ausmalt, wie es wäre, von der Brooklyn Bridge zu springen, um all dem zu entfliehen, beschließt er, sich selbst in die Psychiatrie einzuweisen. Zuerst ist das ein wenig schwierig, denn so richtig kann er selbst nicht erklären, weswegen er Zoloft hatte nehmen müssen und was es genau ist, das seine Depression ausmacht, aber am Ende wird er doch aufgenommen. Da die Abteilung für Jugendliche gerade renoviert wird, kommt Craig in die geschlossene Erwachsenenabteilung und schnell bemerkt er, dass die Leute, die er dort trifft, schlimmere Probleme als er selbst zu haben scheinen. Er will wieder entlassen werden, aber fünf Tage Minimum muss er durchhalten.

Gleich zu Beginn seines Psychiatrieaufenthalts lernt er Bobby (Zach Galifianakis) kennen, der sich gern als Arzt verkleidet aus der Abteilung schleicht, um Eis oder Kaffee zu holen und eine heimliche Pizza-Kasse betreibt, weil er das Stationsessen nicht mag. Bobby will nicht verraten, warum er eingewiesen wurde und erklärt, dass er nur Urlaub mache. Als Craig einmal zufällig bemerkt, wie seine Frau und Tochter ihn besuchen und erstere ihn ausschließlich anschreit, weil er sich aus der Verantwortung für sein Kind stehle, erklärt Bobby nur, es sei seine Steuerberaterin gewesen. In Kürze hat Bobby ein Bewerbungsgespräch für ein betreutes Wohnprojekt, in das er aufgenommen werden will, weil er sonst nach seiner baldigen Entlassung obdachlos wäre. Dummerweise hat Bobby nur einen alten Wollpullover und Craig bietet ihm an, sich ein Hemd von seinem Vater bringen zu lassen, das er ihm leihen könnte. Kurz darauf erhält Craig einen Zettel von Noelle, einem ebenfalls 16jährigen Mädchen, das auf Station ist, weil sie sich angeblich mehrmals selbst geschnitten hat.

Direktfunny

Craig und Noelle kommen sich ein wenig näher, in der Ergotherapie zeichnet Craig einen Stadtplan, der bei allen Patienten, nicht zuletzt bei Noelle schindet und seine Lust am Zeichnen und Malen weckt. Bobby hatte schon zu Anfang gesagt, er könne nicht verstehen, was Craig mit 16 in einer Psychiatrie mache, wo er doch Spaß, eine Freundin und keine Gedanken an die Zukunft haben sollte. Gleichzeitig scheint aber auch Bobby, der es deshalb zu seiner Aufgabe macht, Craigs Berater in Sachen Noelle zu sein, ziemliche Angst vor seiner eigenen Zukunft zu haben und Craig wiederum versucht ihm diese zu nehmen.

Achtung, das Nachfolgende ist womöglich manchmal ein wenig spoilerig.

Die Geschichte wird aus dem Off von Craig erzählt und so jeweils mit den einzelnen Szenen illustriert. Dort, wo die Szenen an ihre erzählerischen Grenzen stoßen, wird mit vielen schnellen Bildfetzen nachgeholfen, bzw. manche Situation bewusst so überzogen dargestellt, das man möglichst nachvollziehen können soll, wie Craig sie empfindet. Das ist am Anfang, als Craig versucht, eine prägnante Antwort auf die Frage zu finden, warum er depressiv sei, noch sehr gut, aber schon einen Moment später, als ihn die Stationspsychologin fragt, warum er unbedingt in der summer school aufgenommen werden müsse und er darüber sinniert, wie er ansonsten nie bei MTV Cribs oder als Commander in Chief im Weißen Haus landen würde, schon viel zu überzogen. Noch später, als er beim Singen Queens Under Pressure covert und alle Patienten zum Teil seiner Band werden, wirkt es einfach nur deplatziert.

Der Film lebt größtenteils von der Beziehung zwischen Craig und Bobby. Dass nebenbei auch noch eine kleine Liebesgeschichte hinzugedichtet werden musste, mag man dem Hollywoodgeschmack zuschreiben. Aber Keir Gilchrist macht es wirklich gut, diesen zierlichen, verwirrten Jungen zu spielen, dem alles zu viel wird, insbesondere weil er in seiner Zurückhaltung dem großartigen Zach Galifianakis so toll die Bühne bereitet. Bobby, der einerseits immer so lustig und unbekümmert aussieht, aber gleichzeitig viel tiefschürfendere Probleme als Craig hat, ist ein perfekter Partner für den schüchternen Jungen. Da ist es fast schade, dass er am Ende einfach so aus dem Film verschwindet und dieser dafür ziemlich kitschig und in einem riesengroßen Happily-Ever-After-Ende geschlossen wird.

Dass Craig innerhalb von fünf Tagen (Psychiatrie, hallo? Nur 5 Tage? Niemals...), die er auf Station verbringt, nicht nur erkennt, dass sein Herz insgeheim für die Bildende Kunst schlägt und er unbedingt Künstler werden müsse, sondern nebenbei noch die halbe Station selbst therapiert, ebenso wie seinen Freund Aaron und dessen kurzzeitige Ex Nia, ist viel zu viel und tut der Geschichte nicht gut. Man hat wohl versucht, eine Mischung aus eine Teenie-Film à la Easy A (der auch nur in den ersten 30 Minuten gut ist und ansonsten gerade noch von Emma Stone über der Schmerzgrenze gehalten wird) und One Flew Over the Cuckoo's Nest zu basteln, hätte sich doch aber lieber mehr auf eine der beiden Seiten schlagen sollen, als so ein Mash-Up zu schaffen. So wirken die ernsten Teile, insbesondere alles zwischen Bobby und Craig, sehr schön, die lustigen Teile, sobald sie nichts mit Zach Galifianakis zu tun haben, völlig übertrieben. Auch warum Nia in einer Szene einfach mal im Krankenhaus erscheinen muss, um Craig zu verführen, warum Noelle am Ende doch nochmal einen Rückfall kriegen und sich dilletantisch im Gesicht kratzen (es sollen wohl Schnitte sein) muss, wer weiß.

Ich muss zugeben, ich habe das zugehörige Buch nicht gelesen, aber rund 450 Seiten deuten darauf hin, dass Craigs Transformation im Buch viel langsamer und damit glaubwürdiger von statten geht. Dass Craig im Film noch sagt, er sei nicht geheilt, aber er kenne nun seine Probleme, nimmt man ihm auch bei fünf Tagen nicht ab. So wirkt es im Endeffekt manchmal wieder nur wie eine gute, aber nicht außergewöhnliche Coming-Of-Age-Geschichte, die zufälligerweise in einer Psychiatrie spielt und so zufälligerweise durch ein paar ulkige Kranke aufgelockert werden kann. Wie gesagt, ein bisschen mehr in eine der beiden Richtungen, ernst oder teenielustig, wobei Letzteres sicher noch weniger mein Geschmack gewesen wäre, hätte dem Film gut getan. So aber bleibt er immer noch gut, bis die große Glückskeule ausgepackt hat, sogar sehr gut.

6/10

It's Kind of a Funny Story
2010, 101 Minuten
Regie: Anna Boden, Ryan Fleck
Drehbuch: Ryan Fleck, Anna Boden
Mit: Keir Gilchrist, Zach Galifianakis, Emma Roberts

Ein Mann ist tot, aber seinen Namen erfährt man nicht. Er wird auf dem selben alten und herunter gekommenen Friedhof begraben, auf dem auch seine Eltern liegen. Die Zeremonie neigt sich dem Ende zu, es gibt die üblichen familiären Fehden, nicht alle sind einander oder dem Toten sonderlich gewogen.

Der Inhaber von "Everyman's Jewelery" und Vater des später Toten führt seinen Laden, den er einzig und allein deshalb eröffnet hatte, um etwas zu schaffen, dass er seinen beiden Söhnen hinterlassen könnte, ganze 41 Jahre lang. Die beiden Jungen helfen oft im Laden, der Jüngere von ihnen muss mit neun Jahren einmal ins Krankenhaus, als er sich einen Leistenbruch zuzieht. Im Bett nebenan liegt ein Junge, dessen Eltern den ganzen Tag über in Tränen aufgelöst auf der Bettkante sitzen. In der Nacht stirbt der Junge, die eigene Operation des Leistenbruchs verläuft glücklicherweise gut.
25 Jahre lang ist der Junge danach kerngesund. Er steigt zum Creative Director einer Werbeagentur auf, weil er sich nicht traut, freischaffender Künstler zu werden. Mit seiner Frau bekommt er zwei Jungen, trennt sich von dieser zu Gunsten einer Kollegin und alles ist gut, bis er mit der neuen Frau aus einem gemeinsamen Urlaub krank zurück kommt. Sein Zustand verbessert sich nicht von allein und er besteht darauf, in ein Krankenhaus überwiesen zu werden. Dort stellt man schnell fest, dass er einen Blinddarmdurchbruch und eine Entzündung des Bauchfells hat, 30 Tage bleibt er im Krankenhaus.

Der ältere Bruder namens Howie kommt ihn besuchen, ein gesunder und höchst erfolgreicher Mann, der bei Goldmann Sachs vom Boten bis zum Arbtirageberater aufgestiegen und über die Jahre sehr wohlhabend geworden ist. Nach em Krankenhausaufenthalt, als auch der jüngere Bruder wieder arbeitet, beginnt er eine Affäre mit seiner Sekretärin. Bei einem Shooting in Grenada bandelt er mit einer jungen Dänin an. Später, als er mit Letzterer einen Kurzurlaub in Paris macht und währendessen seine Mutter ins Sterben fällt, hält seine Frau, die längst von den Affären wusste, die Demütigung nicht mehr aus und sie setzt ihn vor die Tür. Seine Mutter ist schon eine Stunde lang tot, als er im Krankenhaus ankommt. Um sich wenigstens ein letztes Bisschen Ehre zu retten, heiratet er die junge Dänin, merkt aber sehr schnell, dass die unglaubliche Erotik ihres Körpers einen ziemlich schwachen Charakter kompensieren muss. Als er ein paar Jahre später beim Schwimmen in Atemnot gerät, weiß er noch nicht, dass es für ihn von nun an bergab gehen wird. Und dass es gleichzeitig ein bitterer Abstieg und Abschied sein wird, der für manche leicht, für Anderen unendlich steil und schwer ist.

Achtung, womöglich kann ich es nicht immer vermeiden, nicht mehr vom Inhalt zu verraten.

Ich hatte noch nie ein Buch von Philip Roth gelesen, warum weiß ich selbst nicht genau. Vielleicht hatte es mich immer ein wenig abgeschreckt, von so vielen typischen Roth-Büchern zu lesen, in denen es angeblich immer um jüdische Einwanderer in den USA, Altern, Sex und Tod gehen sollte. Insofern scheint also auch Everyman keine Ausnahme zu sein, wobei ich jetzt erst dieses eine kenne. Vielleicht hatte ich mich auf Grund der zig Bücher, die Herr Roth bereits geschrieben hat, insofern abschrecken lassen, als dass mir die Menge irgendwie suspekt war. Zu Unrecht, wenn man das nach einem einzigen Buch überhaupt schon sagen kann. Ich war sehr überrascht, wie ausgewählt und gleichzeitig leicht das ganze Buch formuliert ist, wie schön zwischen den ganzen großen Punkten im Leben des namenlosen Mannes hin und her gesprungen wird, wie Späteres und Früheres vermengt wird, ohne dass man sich darin verheddert. Thematisch sind Alter, Sex und Tod (das Jüdischsein spielt im Buch eigentlich kaum eine Rolle) allein zwar nicht gerade der innovativste Stoff, aber trotzdem ist die Geschichte, die mit diesen drei Bausteinen erzählt wird, sehr gut. Sie ist weder langweilig noch unglaublich aufregend, eben genau so, wie sie ein Protagonist ohne Namen, der eben jedermann sein könnte, verträgt.

Alle sind sterblich, womöglich gestehen sich viele ein, sterblich zu sein, aber niemand will es wahr haben, wenn sich der Tod erst ankündigt und dann in großen Schritten näher kommt; Es ist unfair, wenn man selbst turnusmäßig zu schweren Operationen ins Krankenhaus muss, während Andere aus unerfindlichen Gründen gesund bleiben und wiederum Andere schon längst qualvoll gestorben sind; Es ist schlimm, den eigenen Verfall mit ansehen und feststellen zu müssen, dass man ab einem bestimmten Zeitpunkt auch nur noch als alter Mensch wahr genommen wird – davon erzählt Philip Roth, ganz einfach. Nicht in einem umfassenden opus magnum, sondern quasi in einem Lebensrückblick auf etwas mehr 190 Seiten. Anfangs erwartet man noch große Szenen, aber das legt sich schnell, denn vielleicht soll ja alles genau so sein, wie es ist. So normal, dass die Hauptperson auch ebenso jeder sein könnte. Weil jeder seine kleinen und großen Fehler im Leben macht, jeder seine verwirklichten und unverwirklichten Träume hat und die Wenigstens all das, was sie jahrzehntelang umgeben hat, so plötzlich beendet wollen wissen.

Philip Roth: Everyman
192 Seiten, Vintage
ISBN: 0099501465

Charlie ist fünfzehn und nicht gerade der größte Nerd der gesamten Schule, aber ebenso nicht die fleischgewordene Beliebtheit schlechthin. Er mag die High School schon im ersten Jahr nicht besonders und kann nur relativ wenig mit dem plötzlichen Interesse beider Geschlechter füreinander anfangen. Er kommt aus einer typischen Mittelklassefamilie, die in den Suburbs der großen Stadt wohnt und dort Tag für Tag an ihrem kleinen Glück feilt. Der Vater bringt das Geld nach Hause, die Mutter hält den Haussegen gerade und das Haus in Ordnung. Sein Bruder ist gerade ans College gewechselt, spielt dort in der Footballmannschaft und hofft auf den Sprung ins Profilager, seine Schwester wechselt immer mal wieder den Freund und steht kurz vor dem High-School-Abschluss.
Charlies bester Freund Michael hat sich kürzlich erst umgebracht, was Charlie schwer getroffen hat, vor allem, da niemand wirklich danach zu fragen scheint, warum Michael sich umgebracht hat, sondern man sich stattdessen schnell auf "problems at home" und "felt like he had nobody to talk to" einigt.
Für Charlie ist der Verlust Michaels nun schon der zweite, der ihn nicht mehr richtig los lässt. Noch immer vermisst er seine Tante Helen, die nach einer gescheiterten Ehe im Haus von Charlies Eltern versuchte, wieder auf die Beine zu kommen und dann plötzlich tödlich verunglückte.
Glücklicherweise lernt er bald Sam(antha) und Patrick kennen, mit denen er sich anfreundet und die ihn in ihrem Abschlussjahr überall hin mitnehmen. Patrick, der heimlich mit dem Quarterback der Footballmannschaft zusammen ist und die wunderschöne Sam, in die sich Charlie selbst gleich zu Beginn verliebt, die ihm aber ebenso gleich sagt, er solle sich nicht in sie verlieben.
Um all das zu ordnen und selbst jemanden zum Reden zu haben schreibt Charlie über seine Erlebnisse, Gefühle und Gedanken in Briefen an ein/e Unbekannt/e festzuhalten, "[…] because she said you listen and understand and didn't try to sleep with that person at that party even though you could have."

Achtung, ein wenig Spoilerei!

Nichtnocheincomingofageroman, dachte ich, schließlich scheint es da eine Schwemme zu geben. Mit ganz viel Party, noch mehr Alkohol und unendlich viel Teenie-Sex, der natürlich unheimlich schlecht ist. Und Drogen und Sex und Schule und Studium hab ich schon Parties erwähnt? Aber ich lasse mich ja bekehren und Empfehlungen nehme ich generell gern und unvoreingenommen an, denn hin und wieder erlebt man Überraschungen und das Buch ist gar nicht so typisch Coming-Of-Age-lastig/lästig, wie es der Einband erahnen lässt.

Klar, es geht um Schule, Freundschaft, Parties, Drogen, Sex. Natürlich erlebt Charlie sein erstes Mal, raucht seinen ersten Joint und so weiter und steht am Ende sich selbst aufrechter gegenüber. Für mich hat "The Wonder Years" vorgemacht, wie man zwar Klischees reiten, aber gleichzeitig einfühlsam davon erzählen kann, wie es ist, aufzuwachsen. Und genau so gelingt es auch The Perks of Being a Wallfower immer genau abseits des Zu-Oft-Gehörten, sehr schön zu werden.

Vielleicht trotzdem gleich zu Beginn meine größten Kritikpunkte:

Warum weint Charlie die ganze Zeit über? Ich kann schon nachvollziehen, dass Charlie weinen _muss_, schließlich soll er der sensible Hauptcharakter des Buches sein, aber man hätte seine Sensibilität, die natürlich ebenso auf seine überragende Intelligenz hinweisen soll, oft auch besser darstellen können, als ihn geschätzte fünfzig mal in diesem Buch in Tränen ausbrechen zu lassen.

Warum ist Charlie einerseits einer der begabtesten Menschen, die sein Lehrer je zu Gesicht bekommen hat, gleichzeitig ahnt er selbst jedoch überhaupt nichts davon? Es will mir nicht in den Kopf, wie man einerseits dauerhaft über sich selbst und das eigene Umfeld reflektieren und gleichzeitig so verblendet und naiv sein könnte, wie es Charlie manchmal ist. Vielleicht habe ich da einfach eine zu große Vorliebe zu Good Will Hunting, aber so etwas nehme ich eigentlich niemandem ab. Sturheit, Engstirnigkeit, absolute Leidenschaftlichkeit und Scheuklappen ja, aber keine so große Naivität. Coming of age heißt deshalb leider am Ende, dass Sam und Patrick nun aufs College gehen und Charlie sein sophomore year an der High School allein begehen muss.

Das im Hinterkopf behaltend wirkt The Perks of Being a Wallfower manchmal ein bisschen ungelenk und die Charakterisierung Charlies ein bisschen zu abgegriffen. "Schatz, der Junge ist so sensibel und brütet die ganze Zeit über seinem eigenem Leben, was ist los ist mit ihm?" "Ach, er ist einfach unglaublich intelligent, aber damit wird er schon irgendwann klar kommen!"

Aber das Buch hat genau da seine Stärken, wo es diese relativ plumpe Erklärung mal außer Acht lässt und nicht darauf hinarbeitet, Charlie am als kleinen Wunderbengel zu enttarnen, sondern einfach die alltägliche Tragik einer Mittelklassefamilie und eines Jungen, bei dem das Nachdenken zwanghaft ist, porträtiert. Mit dem Stolz und den Hoffnungen, die auf den Schultern der Kinder lasten, die es mal zu etwas Besserem bringen sollen oder der bedinungslosen Sorge der Eltern, wenn einem ihrer Kinder etwas zugestoßen sein könnte. Mit dem ganz familiären Generationskonflikt und einem Großvater, dessen Schläge nur sicher stellen sollten, dass keine seiner Töchter jemals wieder in einer Mühle arbeiten müsse (meine Lieblingspassage) oder den tragischen Enden bestimmter Verwandter, welche die Kinder nie erklärt bekommen, vor denen sie aber gleichzeitig Respekt haben sollen.
Dort ist das Buch richtig stark, genau wie bei Charlies erster Freundin Mary Elizabeth, die so viel redet, dass Charlie am Telefon einfach ein Gespäch anfangen, den Hörer beiseite legen und auf die Toilette gehen kann, ohne Angst haben zu müssen, sie könnte es bemerken. Die ihn lernen lässt, dass man ehrlich zu sich selbst, anderen aber nicht immer jede Wahrheit auf die Nase binden sollte. Oder bei der Liebesgeschichte zwischen Charlie und Sam, die eigentlich nur ein einseitiges Anhimmeln durch Charlie ist und bei der die seine Reflektiertheit und der Respekt vor Sam ihm einen Strich durch die Rechnung machen, sodass er erst am Ende, kurz bevor Sam in Richtung College aufbricht, erfährt, dass er es einfach hätte versuchen sollen. Charlies komplettes Einserzeugnis als Antithese dazu hätte es meiner Meinung nach gar nicht gebraucht, im Gegenteil, das zerrt es ins Klischee.

Am Ende lesenswert, für mich das bessere About a Boy, auch wenn sie auf Grund der verschiedenen Handlungen so vergleichbar nicht sind. Auf dem Cover steht zwar "In the tradition of The Catcher in the Rye", aber das sollte man meiner Meinung nach nicht zu wörtlich nehmen. Holden Caulfield floh vor dem Erwachsenwerden, das hat ihn sympathisch gemacht, Charlie läuft ihm oft einfach weinend hinterher, was manchmal ein wenig nervt.

7/10

The Perks of Being a Wallfower
Stephen Chbosky
224 Seiten
Simon & Schuster, 2009
ISBN: 1847394078

Irgendwann vor ein langer Zeit sah ich dann Irreversible, später stieß auf die zugehörige Stilrichtung New French Extremity und fand einige Filme, die man wohl am Besten irgendwo zwischen Body Horror, Schocker, Splatter und Thriller einordnet und die, wie der Name sagt, größtenteils aus Frankreich stammen, obwohl man zum weitreichenderen New Extremism z.B. auch Lars von Trier, insbesondere sicher durch Antichrist, zählt. Und ich war begeistert, sagen wir zumindest so sehr, wie man sich dafür begeistern kann, ohne gleich in die Psychoecke gestellt zu werden. Diese Filmen hatten endlich wieder innovative Stories, abseits des Bluts wieder etwas zu erzählen. Manchmal waren sie ziemlich absurd, immer aber sehr abgedreht und selten zu kitschig. Sie schockten gleichzeitig durch klassische Schockelemente wie auch durch ihre Transgressivität und bedienten gleichzeitig das kindliche "Wenn man Angst kriegt oder sich unwohl fühlt, ist der Film gut" wie auch den langsam gewachsenen Anspruch an gute Geschichten. Vielleicht klingt das für manche, die Horrorfilmen so gar keine Begeisterung entgegen bringen können, irgendwie merkwürdig, aber was soll's, ich finde, dass das Genre in den letzten Jahren zu Unrecht so ins Abseits geraten ist. Und genau deshalb will ich in nächster Zeit immer mal wieder einen guten Horrorfilm empfehlen, angefangen heute mit Martyrs aus dem Jahr 2008.

Achtung, nachfolgend Spoiler und Bilder, die manche feine Seele beunruhigen könnten.

Ein junges Mädchen namens Lucie flieht aus einem verlassenen Fabrikgebäude, sein Körper ist übersäht mit Wunden von Misshandlungen. Lucie kommt in ein Pflegeheim, wo sie langsam Vertrauen zu Anna fast. In einem Video erklärt ein Mann, Lucie wäre lange in dem Fabrikgebäude gefangen gehalten und gefoltert worden. Nun, im Pflegeheim, wird Lucie von Verfolgungswahn geplagt und Anna findet sie in ihrem gemeinsamen Zimmer, nachdem Lucie sich mehrfach selbst geschnitten hat und muss ihr schwören, niemandem davon zu erzählen.

15 Jahre später sieht man eine Familie beim morgendlichen Frühstück. Alles scheint gut, bis es an der Haustür klingelt. Der Vater öffnet die Tür, davor steht Lucie, ganz in schwarz, mit einer Schrotflinte in der Hand und drückt ab. Danach erschießt sie die Mutter, beim Sohn zögert sie kurz und fragt, ob er wisse, was seine Eltern getan hätten, dann erschießt sie auch ihn und seine Schwester. Nachdem sie nahe einem Nervenzusammenbruch ist, ruft Lucie Anna an. Während sie wartet, überkommt sie wieder ihr Verfolgungswahn und eine seltsam verunstaltete Kreatur taucht im Haus auf, die Lucie angreift und stark verletzt. Lucie beteuert der Kreatur gegenüber, dass sie die Familie umgebracht habe und nun alles gut sei, aber es bringt nichts. Als Anna eintrifft, ist sie schockiert über Lucies Blutbad und fragt, ob Lucie sicher sei, dass es die richtige Familie gewesen sei. Nachts beginnt Anna, die Toten vor dem Haus zu vergraben und bemerkt, dass die Mutter noch lebt. Sie versucht sie aus dem Haus zu schmuggeln, aber Lucie bemerkt es und erschlägt die Mutter mit einem Hammer. Bald darauf erscheint auch die Kreatur wieder und greift Lucie an, obgleich sie wieder beteuert, die Mutter sei tot und es sei nun alles gut.

Lucie ist völlig fertig, die Kreatur, nun mehr und mehr als verunstaltetes Mädchen erkennbar, kriecht zu ihr heran. Anna bemerkt, dass nur Lucie allein die Kreatur sehen kann und sieht, wie Lucie sich selbst schneidet, obgleich Lucie in Form einer Halluzination erlebt, wie sie von der Kreatur geschnitten wird. In einem Rückblick sieht man, dass das malträtierte Mädchen im gleichen Fabrikgebäude wie Lucie misshandelt worden ist und Lucie sie, als sie die Möglichkeit zu fliehen und das Mädchen zu befreien hatte, hilflos zurück ließ. Nun, seit Jahren verfolgt von der Halluzination des Mädchens, schneidet sich Lucie in den Hals und stirbt.

Als Anna Lucies Körper am nächsten Morgen säubert, mit ihrer vorwurfsvollen Mutter telefoniert und versucht, das Haus in Ordnung zu bringen, bemerkt sie ein Loch in der Wohnzimmerschrankwand. Dahinter findet sich einen Gang, der in eine Art Bunker führt, an dessen steril wirkenden Wänden Bilder von verunstalteten und gefolterten Menschen hängen. Am Ende des Ganges findet sie eine Klappe, durch sie mit einer Leiter weiter in die Tiefe steigt. Dort findet sie ein verängstigtes, zutiefst malträtiertes und angekettetes Mädchen, das sie mit nach oben nimmt.

In der Badewanne befreit sie es von ihren Metallplatinen, die mit Stiften im Kopf befestigt sind. Als sie das Mädchen kurz allein lässt, befreit es sich aus der Badewanne und versucht, sich selbst die Pulsadern aufzuschneiden. Anna versucht es davon abzuhalten, da wird das Mädchen plötzlich erschossen. Ins Haus kommt eine Gruppe von Menschen, die Anna fesseln und erklären, dass sie auf der Suche nach so genannten Martyrs, sprich Märtyrern, seien. Solche Menschen würden auch in größter körperlicher Not keine psychischen Alternativerklärung für die ihnen angetane Gewalt erspinnen, wie z.B. Lucie, die sich das sie verletztende Mädchen in Form eines psychischen Schutzmechanismus' nur nur eingebildet hatte. Märtyrer aber blieben die ganze über klar und könnten alles ertragen, ohne eine Psychose zu entwickeln. Beim Höhepunkt ihrer Not und kurz vor ihrem Tod, würden solche Märtyrer kurzzeitig eine Art göttlichen Zustand erreichen, irgendwo zwischen Leben und Tod, der es ihnen erlaubte, noch zu leben, aber gleichzeitig ins Jenseits schauen zu können. Das Interesse der Gesellschaft bestünde genau darin, Märtyrer mittels Folter ausfindig zu machen und so etwas über das Jenseits in Erfahrung zu bringen. Nachdem Anna all das erklärt wurde, macht man sie bewusstlos und sie erwacht in Ketten in einem dunklen Raum. (Wer mehr Handlung haben will, hier gibt es alles.)

Martyrs ist sicher kein Film für die Zartbesaitetsten, aber nichtsdestotrotz empfehlenswert. Die Story schlägt so oft um, dass man mehrmals das Gefühl hat, den Film verstanden zu haben, dann aber kurze Zeit später feststellen muss, gar nichts verstanden zu haben. Natürlich kommen viele Body-Horror-Elemente vor, es geht schließlich auch um auf Grund extremer Gewalt traumatisierte Menschen. Trotzdem hat man nicht das Gefühl, dass der Film allein von der dargestellten Gewalt, bzw. den dargestellen Extremen abhängt, so wie bspw. The Descent, der noch dazu völlig überbewertet ist. All das dient vorrangig der Illustration der Geschichte, die alles umschließt. So kommt zu dem mulmigen Gefühl, das einen überfällt, wenn man sieht, wie Anna die Metallstifte aus dem Kopf des geretteten Mädchen entfernt, immer auch eine gewisse Tragik hinzu, die den Film vom dem bloßen Ekelfilm abhebt. Außerdem bleibt man von Übernatürlichem (mal davon abgesehen, ob es Martyrs nun wirklich gibt) glücklicherweise verschont und es gibt nicht einfach nur einen quasi-unsterblichen Killer, der 90 Minuten lang Menschen abschlachtet, sondern immer auch eine mehr oder minder rationale Erklärung für das, was passiert. Damit könnte man Martyrs fast schon ein wenig den Horrorcharakter absprechen, aber egal. Im Endeffekt ist nicht nur das natürlich Geschmackssache, ich persönlich bin nur seit langem genervt davon, dass Horrorfilme praktisch nur noch aus Plattitüden bestehen, insofern bin ich sehr froh, dass Filme wie Martyrs endlich wieder ein bisschen Leben (naja, oder eben nicht) ins Genre bringen, ganz ohne sich an gängige Genreklischees anzulehnen oder andere Filme zu imitieren. Dass solche Filme gleichzeitig dabei das Genre verändern, warum sollten man es ihnen verdenken? Hauptsache nicht schon wieder Zombies.

Martyrs
2008, 99 Minuten
Regie: Pascal Laugier
Drehbuch: Pascal Laugier
Mit: Morjana Alaoui, Mylène Jampanoï and Catherine Bégin

Achtung, Spoiler.

Ich hatte mich wirklich auf TRON Legacy gefreut, wirklich. Auch wenn ich beim Erscheinen des ersten Teils noch nicht einmal geboren war, war TRON für mich später ein absolutes Highlight. Optisch führt TRON Legacy dieses Vermächtnis (haha) mehr als fort. Der Film sieht absolut top aus, sehr schön, wie z.B. das Aussehen der Kontrollprogramme in den neuen Film übernommen und gleichzeitig aufgehübscht wurden. Auch die Anzüge der Figuren sehen nicht mehr so dummiehaft, sondern unheimlich stylisch aus, mit all ihren Lichtstrichen. Die Kämpfe und die Rennen sind großartig animiert, optisch ist TRON Legacy mehr als sehenswert (haha). Ebenso ist der Soundtrack, den Daft Punk persönlich beigesteuert haben, fantastisch geworden.

Problematisch ist nur, dass das, als abzüglich Optik und Sound, fast schon alles Positive war. Was mir gleich als Erstes auffiel, und da möge man mich gern pedantisch nennen und diesen Punkt von der Negativliste streichen, ist die Schleichwerbung. Ich bin mir durchaus im Klaren, dass TRON Legacy kein GEZ-bezahlter Vorabendfilm für die öffentlich-rechtlichen Fernsehsender ist, aber wenn ich bereits in den ersten Minuten ein dickes Ducati-Emblem meterhoch und nicht nur einmal auf der Leinwand prangen sehen muss, nur damit es danach von einem BMW-Logo abgelöst wird, welches wiederum von einem Nokia-Handy aus dem Bild gedrückt wird und so weiter, dann stört mich das. Genug davon.

Ich weiß nicht, warum Sam gleich zu Beginn in bester Actionmanier das ENCOM-Gebäude entern muss, nur um kurz den Verkaufsstart ihres neuen Betriebssystems zu vermasseln, wobei ich diesen Szenen durch aus noch Relevanz und Bezug zu TRON zugestehe, insofern Sam genau wie Kevin für freie Software und gegen die bösen Machenschaften des Computergroßkonzernen ENCOM operiert (obwohl er natürlich als größter Aktionär auch Besitzer des ganzen Betriebs ist, verrückt). Oder nennen wir es einfach Mainstream. Dass ich es nicht sonderlich TRONig finde, wie Sam sich bei seinem Einbruch in bester Batman-Manier durchs nächtliche Gotham-City schwingt, ist nur mein persönlicher Geschmack. Als Sam jedoch kurze Zeit später in der Digitalwelt ist, gegen die anderen Programme im (sehr ansehnlichen) Diskuskampf erfolgreich kämpft und von Quorra aus dem Lightcyclerennen gegen das Kevin-Ebenbild Clu gerettet wird, beginnt es langsam aber sicher LOSTig zu werden (mehr als treffend und zuerst bemerkt von den Fünf Filmfreunden). Ständig blitzen neue Handlungsfetzen auf, werden nicht weiter verfolgt und gleich abrupt durch absurde Enden abgebrochen.

Bestes Beispiel: Es stellt sich bald heraus, dass vor langer Zeit beim Bau von Kevins Digitalwelt aus dem Nichts die perfekten Wesen, so genannte Isos, entstanden waren; friedfertige, überaus intelligente, perfekte Wesen mit je einem lustig leuchtenden Zeichen am Körper. Clu jedoch, der mit der Zeit immer mehr seinem Perfektionswahn erlegen sein muss, hat diese Isos einfach auslöschen lassen, Ende. Ob es nur eine unglaublich schlechte Übersetzung oder tatsächlich Ernst war, Kevin dies mit dem Satz "Es war Völkermord" kommentieren zu lassen, kann ich nur vermuten. In jedem Fall endet mit der Erzählung vom digitalen Völkermord die Geschichte der Isos, einzig bleibt, dass Quorra auch so ein perfektes Wesen ist und deshalb unbedingt mit zurück in die reale Welt soll, so macht man Nebenrollen.

Kevin lebt also mittlerweile in den Outlands, weit entfernt, aber in Sichtweite der Digitalstadt und von Digitalhitler Clu. Ersterer scheint Digitalbuddhist geworden zu sein, meditiert die ganze Zeit über und haut eine Weisheit nach der anderen raus. Das alles soll wohl Kevins Geisteswandel illustrieren, denn er weiß mittlerweile, dass Perfektion nicht erreicht werden kann (Die Isos, hallo, die Isos?) und Chaos durchaus Gutes in sich birgt. Dass man diesen Erkenntnisgewinn gleich wieder mit irgendeiner Religion, bzw. Stilmitteln irgendeines fernöstlichen Kultes darstellen muss, ist mehr als quatschig. Ganz im Gegenteil, Kevin kommt zu Beginn dadurch sogar völlig mürbe, dement und wie ein esoterikbegeister QVC-Fan rüber.

Warum der Digitalführer Clu es trotz seiner Allmacht bis dato noch nicht geschafft hat, Kevin 5 Kilometer außerhalb seiner Glitzerstadt zu finden und es erst Sam braucht, der mit dem Elektromoped zurück in die Stadt fährt, um Zuse zu suchen, naja. Die Begegnung mit Zuse zumindest war für mich der einzige wirkliche Höhepunkt des Films. Zuse, der in seiner Programmfunktion angeblich jeden überall hin bringen kann, lebt incognito als Clubbesitzer in der Stadt und hat Daft Punk als DJ Team engagiert. Michael Sheen als Zuse, resp. Castor ist so großartig verrückt und aufgedreht, dass er für kurze Zeit den Film richtig rausreißt. Auch kommt in dieser Szene der Soundtrack schön zur Geltung. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Nun könnte man eigentlich diese Rezension beschließen, indem man schriebe: "Danach wird eigentlich nur noch gekämpft." Stimmt soweit auch, Clu will eigentlich nur noch an Kevins Identifikationsdiskus, mit Hilfe dessen er in die reale Welt einfallen und diese unterjochen könnte, aber das wollen die Helden namens Sam, Quorra und Kevin natürlich nicht. Achja, warum heißt der Film eigentlich TRON Legacy? TRON ist, nachdem sich Clu vor Unzeiten gegen Kevin aufgelehnt hatte, von Clu zu einem seiner mächtigsten Kämpfer umfunktioniert worden. Er kämpft mittlerweile, und nicht mehr wie im ersten Teil für, sondern gegen die User und ist die meiste Zeit damit beschäftigt, in mehr oder weniger großen Geplänkeln die Rückreise zum Portal Richtung echte Welt zu behindern. Und am Ende besinnt er sich dann kurz und stirbt. Ok, da haben die Filmemacher echtes Können bewiesen, eine der Hauptfiguren des ersten Teils und gleichzeitig Namensgeber beider Filme in einem schlichten Drehbuchnebensatz abzukanzeln, das muss man erstmal drauf haben. Natürlich schafft es Clu nicht in die echte Welt, sondern Kevin erlebt noch schnell eine seiner dauernden Erleuchtungen, nämlich jene, dass Clu nur ein Teil seines früheren Selbst ist, und verleibt ihn sich daraufhin ein, um kurz danach zu explodieren. Ja, zu explodieren und die ganze Digitalwelt verpuffen zu lassen. Alles klar, gibt also keine Fortsetzung. Und wenn doch, dann hat man so wenigstens Freiraum für Neues geschaffen.

Die Story von TRON Legacy ist wirklich nicht das Wahre. Optisch und soundmäßig ist der Film wirklich groß, obgleich ich den Witz, am Anfang des Film darauf hinzuweisen, die vielen 2D-Parts seien ein stilistisches Mittel, nicht witzig fand. Denn für 3D-Vorstellungen gibt es nachwievor keine Ermäßigung und es gibt leider noch keine Gönner, die mir die Karten bezahlen, damit ich anschließend Film nieder machen kann. Da helfen auch nicht die teilweise ganz witzigen Dialoge, bspw. wenn Kevin meint, dass er die Idee zu Wlan schon in den Achtzigern hatte. Dazu nervt es viel zu sehr, dass die Zeit zwischen den ganzen gladiatorhaften Kämpfen meist nur damit gefüllt wird, dass surreale Landschaften gezeigt und nicht allzu tiefgründige Dialoge geführt werden.

Nein nein, es tut mir schon jetzt weh, wenn ich bald irgendwo lesen oder hören werde, TRON Legacy sei "total kraaaaass", denn eigentlich ist ein Film über einen muskulösen Helden und eine hübsche Latex-Frau, die gern mal einen Sonnenaufgang sehen würde, die mit Licht-Kung-Fu gegen einen bösen Digitalhitler kämpfen. Und irgendwie kommen dauernd Identifikations-Disks darin vor, die im Endeffekt aber völlig egal sind. TRON Legacy ist kein abscheulich schlechter Film, sondern optisch toll und mit einem fetten Soundtrack ausgestattet, über denen leider die Story ein wenig zu sehr vergessen wurde. Dem, was davon im Film übrig geblieben ist, merkt man an, dass es Mainstream mit TRON-Aufkleber ist, der die hohen Werbe- und Animationskosten wieder ins digitale Boot bringen soll. Das wird er sicherlich tun und das soll er auch, aber ein ähnliches Gefühl wie der erste Teil, wird er auf keinen Fall erzeugen können.

Aus Nostalgiegründen, der alte TRON-Trailer:

TRON: Legacy
2010, 127 Minuten
Regie: Joseph Kosinski
Drehbuch: Edward Kitsis, Adam Horowitz
Mit: Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde, Bruce Boxleitne, James Frain, Beau Garrett, Michael Sheen

Nina ist Tänzerin in einem Ballettensemble in New York. Sie lebt mit ihrer herrschsüchtigen Mutter, selbst ehemalige Balletttänzerin, die ihr Karriereende nicht ungern auf die Geburt Ninas schiebt, in einer gemeinsamen Wohnung und beschäftigt sich mit nichts Anderem als dem Ballett.

Als Thomas, der Leiter des Ensembles, zum Saisonauftakt Tschaikowskis Schwanensee aufführen will, ist Nina seine erste Wahl. Sie tanzt den weißen Schwan perfekt, aber in der Rolle des schwarzen Schwans ist sie immer noch zu beherrscht, zu wenig leidenschaftlich und zu starr. Trotz des vielen Trainings scheint sie es nicht zu schaffen, sich aus ihrer Angespanntheit zu lösen, da fällt Thomas die neue Tänzerin Lily auf, die im Gegenzug den schwarzen Schwan mehr als gut tanzt.

Nina beginnt, sich selbst mehr und mehr unter Druck zu setzen. Bald bemerkt sie einen Kratzer auf ihrer Schulter, der schnell zu einer Flechte wird, die wie die gerupfte Haut eines Vogels aussieht. Sie fürchtet, Lily könnte ihr die Rolle der Schwanenkönigin streitig machen. Stück für Stück beginnt Ninas Wahrnehmung verrückt zu spielen. Lily besucht sie in ihrer Wohnung und zum Ärger ihrer Mutter geht Nina mit in einen Club, wo sie vollends die Kontrolle über sich verliert und letztendlich mit Lily im Bett landet. Als Nina diese am nächsten Tag darauf anspricht, weiß sie jedoch nichts davon. Ihre Mutter spürt, dass ihr ebenso langsam die Kontrolle über die Tochter entgleitet, Nina fühlt sich vollkommen überfordert, glaubt, sie würde bald ihre Rolle verlieren oder wenigstens vollends auf der Bühne versagen. Die Flechte auf ihrer Schulter wird immer schlimmer, sie blutet und Nina kann beim genaueren Betrachten eine schwarze Feder heraus ziehen. Im selben Moment verfärben sich ihre Augen rot, ihre Beine werden zu Schwanenfüßen und sie bricht zusammen.

Als sie am nächsten Tag, dem Tag der großen Premiere, ganz normal in ihrem Bett erwacht, hat ihre Mutter bereits beim Ensemble Bescheid gegeben, dass Nina krank sei. Nina aber rennt so schnell sie kann zur Premiere. In der Garderobe angekomme, beginnt sie, sich auf ihren ersten Einsatz als weißer Schwan vorzubereiten, bemerkt dabei aber, dass sich ihre Zehen mittlerweile mit einer Zwischenhaut verbunden haben ... (die ganze Handlung bei Bedarf hier, aber Achtung, Spoiler.)

Direktswan

Wow, was für ein Film, ich bin echt beeindruckt. Bei diesem Film scheint alles zusammen zu passen. Die Grauschleier über New York, das man nur auf Ninas Wegen hin zum Theater und zurück nach Hause zu sehen bekommt, weil es in dieser Welt eh nur eine kleine Rolle spielt, die schwarz-weißen Studiobühnen und Übungsräume, in denen sich die Tänzer stundenlang schinden, um eine der begehrten Rollen zu bekommen. Dazu die pompösen Auftritte im hellen Licht, auf den großen Bühnen vor Hunderten von Zuschauern, in den ausschweifenden, wunderschönen Kostümen. Wie gut es dargestellt ist, das Hin und Her zwischen dem ewigen, harten Training und dem so kurzen, aber umso kraftvolleren und adrenalingeladenen Auftritt vor Publikum, wie es für alle Tänzer nichts Anderes zu geben scheint als das Ballett und wie es für eine, Nina, ganz besonders eben nur diesen einen Haltepunkt gibt. Mit ihrer Mutter, die versucht, ihre eigene Verzweiflung ob der ungenutzten Karrierechance wegen des Kindes nun in eben jenes projeziert und es geradezu dorthin zu regieren versucht, wo sie selbst nie war. Mit dem Druck, den sich durch die Ansprüche selbst aufbürdet und dieser neuen Tänzerin, Lily, die scheinbar spielerisch gerade das beherrscht, was Nina nicht gelingen will, die genau das Gegenteil ist, Nachts noch lang feiern gehen und am nächsten Tag trotzdem ihre Leistung abrufen kann. Und da zwischen Thomas, der sich zuerst für Nina entschieden hat, weil sie so perfekt den weißen Schwan tanzt, dann aber mehr und mehr zu Lily hingezogen wird, woraufhin Nina beginnt, den Kopf zu verlieren.

Ich habe keine Ahnung von Ballett und weiß nicht, ob die Tänzer gut sind, aber die Illusion, funktioniert. Natalie Portman als Nina macht es großartig, sich langsam und gleichzeitig gezwungenermaßen von ihrer Mutter zu lösen, zuerst noch völlig hörig, steif und angespannt, dann immer gelöst und letztendlich perfekt. Genau so Mila Kunis als Lily, nur dass sie genau den Gegenpart spielt, und das sehr gut. Das Ende des Films ist vielleicht ein wenig zu drastisch, aber es schließt den Film in seiner ganzen Dramatik gut und plausibel ab, denn wer sich allzu sehr ans Reale klammern will, der wird im Endeffekt sowieso nicht zufrieden sein. Sehr tolle Bilder, wunderschöne Kostüme. Übrigens: Letztes Wochenende bekam Natalie Portman für ihre Rolle in diesem Film einen Golden Globe als beste Drama-Hauptdarstellerin. Morgen, am 20. Januar, kommt Black Swan in die deutschen Kinos. In den Sneak Previews lief er schon ein wenig früher an, trotzdem frage ich mich, warum der Film in den USA bereits am 05. September erschienen ist und hier erst mehr als vier Monate später. Nichtsdestotrotz: Unbedingte Empfehlung!

Black Swan
Regie: Darren Aronofsky
Drehbuch: Mark Heyman, Andres Heinz, John McLaughlin
Mit: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder
2010, 108 Minuten

Wie ist es, eine Nacht durch zu machen? Wie ist es, zwei Nächte durch zu machen und wie ist es, jede Nacht durch zu machen, durch machen zu müssen, weil es nicht anders geht? Wie lebt man ohne Schlaf, ohne die Möglichkeit, sich für ein paar Stunden au der Realität zu retten und den eigenen Kopf Ordnung in das bringen zu lassen, was sich am Tag zuvor angesammelt hat? Wie ist es, über 7000 Nächte lang nicht geschlafen zu haben? Vermischen sich Traum und Realität zu einem sonderbar surrealen Film oder verlagert sich die geisterhafte Traumwelt einfach ins Reale? Was passiert in all jenen Momenten, in denen der Körper normalerweise geradezu nach Schlaf schreit, er aber das Schlafen schlichtweg verlernt hat? Und ist das Mehr ans Lebenszeit nun ein Geschenk oder eine unsägliche Bürde?

Gestern Abend durfte ich im Rahmen des Dokumentarfilmfestivals DOK Leipzig den Film Goodnight Nobody von Jacqueline Zünd sehen. Er zeigt Ausschnitte aus dem Leben von vier Personen auf jeweils unterschiedlichen Kontinenten, die allein die Insomnie in Form von völliger Schlaflosigkeit eint und begleitet sie durch eine Nacht, in der er dokumentiert, wie sie mit dem Fluch oder Segen der zusätzlichen Zeit umgehen.

Da gibt es bspw. Fedir aus der Ukraine. Laut eigenen Angaben hat er seit mehr als 20 Jahren nicht geschlafen. Die Gründe? Er weiß sie selbst nicht, irgendwann ging es nicht mehr. Deshalb bleibt er nach dem allabendlichen Fernsehen mit der Familie allein im Wohnzimmer zurück, sieht Abspann um Abspann, nimmt einen kleinen Imbiss zu sich und sitzt da. Von Zeit zu Zeit, sagt er, kommen Delegationen von Wissenschaftlern zu ihm nach Hause, die seine Krankheit untersuchen wollen, geholfen hat ihm bisher trotzdem nichts, mittlerweile verlangt er eine Gebühr, noch immer kommen die Briefe, adressiert an Den Mann, der seit 20 Jahren nicht geschlafen hat, zuverlässig bei ihm an. Seine Frau, sagt er, muss sich wohl oder übel damit abfinden, wie er zu leben hat, damit, dass er sich nur zeitweise zu ihr ins Bett legt, bis es ihm einfach zu öde wird, sich hin und her zu wälzen und damit, dass er große Teile der Nacht einfach nur auf der Couch im Haus der Familie sitzt und abwartet, bis es endlich wieder hell wird.

Mila aus den USA quält dies Langeweile umso mehr, denn Sie kann sich tagsüber weder in Familie, noch in Arbeit flüchten. Stundenlang fährt sie mit dem Auto durch die Nacht, fährt Achten auf Parkplätzen oder schnurgeradeaus die Landstraßen entlang, schreibt Listen mit absurden Einfällen und tut alles in ihrer Macht stehende, um die Zeit davon ab zu halten, endlos lang zu werden, selbst wenn dazu andauernd der Fernseher laufen muss und es einem bald so vorkommt, als hätte man jeden Film schon 20mal gesehen. Wenn das der Fall ist, helfen oft nur noch die Supermärkte, die rund um die Uhr geöffnet haben.

Aber auch wenn Jeremie aus Bukina Faso sicher jedes Stück in dem Theater, in dem er jeden Tag 24 Stunden das Mädchen für alles spielt, schon mehrmals gesehen hat, liebt er seine Arbeit und insbesondere jene Stunden, in denen er niemandem mehr begegnet und in wortwörtlich gemeinter Ruhe seine kleinen Jobs machen kann: Fegen, Aufräumen, Kette rauchen und dabei Musik zu hören. Die Nacht nach 3 Uhr ist seine Zeit, dann wenn niemand mehr unterwegs ist, wenn selbst die Nachtwächter der Läden eingeschlafen sind und er auf der Freilichtbühne des Theaters in den Requisiten sitzt, raucht und versucht, mit den umher streunenden Katzen Theaterstücke zu improvisieren.

Das Dorf in der Ukraine, die Städte in Arizona und Bukina Faso, alle wirken nachts gespenstisch leer, allenfalls Shanghai lebt ebenso nachts, wenn auch so völlig anders als tagsüber. Manchmal läuft Lin nachts schon die Treppen ihres Wohnhauses auf und ab, um wenigstens erschöpft ein paar Stunden ruhen zu können, ehe sie wieder zu ihrem Job als Krankenschwester aufbricht. Fast scheint es, als hätte sie das Schlafen wirklich verlernt, wenn sie von den nächtlichen Streits ihrer Eltern erzählt, die sie durch ihre bloße Anwesenheit einzudämmen versuchte und vom ewigen Lernen für die Schule, um in jedem Jahr die Jahrgangsbeste sein und ihren Eltern imponieren zu können. Auch jetzt nutzt sie Teile ihrer Nächte noch dazu, sich Lernstoff einzuprägen, wiederholt und wiederholt, wäscht ab, läuft nochmal die Treppen ihres Hauses hoch und runter, versucht still zu liegen.

Sicher sind sehr viele Zuschauer und auch ich mit der Einstellung in den Film gegangen, dass es toll sein muss, auf Schlaf verzichten zu können und dadurch so viel zusätzliche Zeit zu haben. Wahrscheinlich kam niemand daran vorbei, mit der Vorstellung zu liebäugeln, wie vielen unerledigten Dinge man endlich nachkommen, wie vielen Hobbies und potentiellen Hobbies man nachgehen, was man alles lesen und anschauen könnte, wenn man nicht mehr schlafen müsste. Andererseits verwundert dann schnell die Lethargie, mit der die vier Protagonisten ihre Nächte verbringen und weist zielsicher darauf hin, dass es nur teilweise von der verfügbaren Zeit abhängig ist, was man tut und schafft, sondern ebenso von der eigenen Bereitschaft, diese nicht ungenutzt verstreichen zu lassen. Und spätestens dann, wenn man nach dem Film zu Hause ins Bett sinkt und merkt, wie einen der Schlaf übermannt, man die Entspannung der Gliedmaßen gerade noch mitbekommen, ehe einem das Bewusstsein davon gleitet, weiß man, dass die Zeit an den Schlaf keineswegs verloren geht.

So nimmt einem ebenso der Film recht schnell die Illusion, dass es besonders schön ist, dauerhaft mit Informationen der eigenen Umwelt überflutet zu werden, keine Minute abseits des eigenen Bewusstseins sein zu können, bis einem irgendwann der Tag in seiner überbordenen Masse von Eindrücken immer fremder wird und man die Welt nur noch nachts wirklich aushalten kann. Bald schon hat man ein wenig Mitleid mit Fedir, dem alten Mann, der sein Leben lang dafür gearbeitet zu haben scheint, im Ruhestand ruhelos sein zu müssen, mit Mila, die einem erst mit der Zeit in ihrer absurden Kauzigkeit sympathisch wird, mit Lin, für die es längst keinen Unterschied mehr zwischen Traum und Realität gibt, wie auch für Jeremie, dem nächtlichen Theaterdirektor. Mit ihnen zeigt der Film vier unterschiedliche Einstellungen zur Schlaflosigkeit, von bloßem Abwarten und Aushalten bis zum Genießen der Stille. Die Episoden der einzelnen Charaktäre sind zu recht ohne zusätzliche Lichtquellen gedreht worden, das gibt ihnen unendlich viel Athmosphäre, die Analogaufnahmen, weit ab von HD, geben den Bildern von der Welt eine schöne Distanz, die an Lost in Translation erinnert, der Soundtrack schafft es, sehr schön nachzuahmen, wie sich die endlos lang gezogenen Nächte anhören würden, wären sie aus Tönen gemacht. Wann immer jemand die Möglichkeit hat, Goodnight Nobody im Kino zu sehen, möge er hingehen, es lohnt sich sehr.

Goodnight Nobody
Jacqueline Zünd
CH, D 2010, 77 min

Achtung Spoiler:

Kurzer inhaltlicher Abriss der ersten 50 Seiten:

Titel"heldin" Bree und Diego sind also Teil einer Gruppe wilder Jungvampire, die nicht wissen, wozu sie da sind, aber trotzdem alles tun, was Anführer Riley ihnen sagt. Beim nächtlichen Ausritt Essen trifft das süße Vampirmädchen Bree auf den coolen Vampirboy Diego und beide sind sich sofort sowas von sympathisch, dass man als Stephenie-Meyer-Kenner sofort die Haupthandlungslinie erahnt. Beide fanden ihre zugeteilten Fresskumpanen an diesem Abend viel zu unreif und sind deshalb allein losgezogen, Obdachlose, Zuhälter und Prostituierte auszulutschen (die schmecken aber etwas komisch, findet Bree). Diego ist natürlich viel toller als all die Kindervampire, so nett und rücksichtsvoll und toll und , gibt's denn sowas! Als Bree und Diego dennoch vom Tagesanbruch überrascht werden, müssen sie einen ganzen Tag lang in einem Erdloch herum sitzen (denn Riley hat ihnen eingebläut, man würde als Vampir im Licht sofort verbrennen) und haben dabei entgegen der Meinung ihres Anführers heraus gefunden, dass Vampire im Licht nur ganz zauberhaft glitzern, toll.

Weiter geht's:

Natürlich finden die beiden in der darauf folgenden Nacht locker zur neuen Behausung ihrer Vampirkollegen zurück und, der Stephenie-Meyer-Logik folgend, küssen sich (natürlich!). In der neuen Behausung hocken etwa 20 Jungvampire im Keller, spielen Playstation und hören laute Musik oder Lesen Bücher im Minutentakt, wenn sie gerade nicht jagen gehen dürfen. Bree hüpft sofort hinter die Couch von Fred, einem Vampir, der von allen in Ruhe gelassen wird, Diego bekommt direkt Stress mit dem harten Typen Raoul. Bevor sie sich aber zerfetzen können, sorgt Fred mittels gezielter Beeinflussung von Gefühlen (Bree wird doch wohl nicht bald lernen, dass es Vampire mit coolen Skills gibt?) dafür, dass nichts Aufregendes passiert. Irgendwann (und zahllosen Seiten später) kommt auch Riley zurück in die Behausung, hat aber leider auch nichts von Belang zu erzählen und ist auch gleich wieder weg. Bree und Diego wollten ihm eigentlich zeigen, dass Vampire im Licht glitzern, deshalb laufen sie ihm hinterher und bemerken, wie Riley zur Oberanführerin der Operation (natürlich Victoria) in ein kleines Häuschen im Wald hüpft und sie dort wild und heftig knutschen (das hört sich bei Vampiren an, als würde man Steine auf einander schlagen, findet Bree). Zwischenzeitlich bereden Victoria und Riley noch die eigentlich Operation (und knutschen), momentan haben sie 22 Jungvampire für den Angriff (und knutschen), von dem niemand wissen darf, gegen wen es geht (und knutschen), aber es sollen noch ein paar mehr werden. Irgendwann kommen dann einfach mal so die Volturi vorbei und sagen, dass es illegal ist, eine Jungvampirarmee aufzubauen, Victoria und Riley sich deshalb mit ihrem Angriff beeilen sollen, danach würden de Volturi entscheiden, wie sehr eine Bestrafung notwendig ist. Als alle wieder in ihre Unterkunft zurück kommen, ist nebenher gerade ein Vampir verbrannt, seine Asche liegt noch herum. Riley bestimmt kurz neue Co-Anführer, dann verliert sich Bree in unendliches Lamentieren.

Ach Stephenie Meyer, hier sieht es ja noch fast so aus, als hätte dein Buch tatsächlich Handlung. Aber das, was du benutzt, um längst Bekanntes in neuer Formulierung, sowie der Unbefangenheit deiner kleinen Bree unter die Leute zu bringen, ist eher Beiwerk als alles Andere. Dass Bree seitenweise vor sich hin sinnieren muss und dabei der Geschichte eigentlich nichts beisteuert ist sicher selbst den allergrößten Ästheten irgendwann einmal zu viel. Als ob Kleines-verwirrtes-Mädchen-für-das-sich-niemand-interessiert-trifft-muskulösen-Supertypen-der-sich-auch-noch-abgöttisch-in-das-Mädchen-verliebt-Nummer nicht schon mit Twilight mehr als genug bedient gewesen wäre. Man weiß ja nicht einmal mehr, was man an diesem Buch schlecht finden soll, mittlerweile verzichtest du ja sogar auf jedwede Absurdität. Wer weiß, wie viele Bücher in Deutschland jährlich erscheinen, 100.000? Ich kenne nicht viele davon, die Wenigsten, aber dass ich gerade den größten Schund davon gefunden habe, erscheint mir wirklich eine ehrungswürdige Leistung zu sein, ich verbeuge mich vor mir selbst.

Achtung, Spoiler:

Fällt einem Leser des dritten Twilight-Teils tatsächlich noch ein, wer Bree Tanner sein könnte? Ich glaube, man muss schon ganz arger Fan sein, um fest zu stellen, dass Bree Tanner nur jene neugeborene Vampirdame sein kann, die sich beim ultmativen Angriff der Neugeborenen auf die Cullens und die Werwölfe als Einzige ergibt und dann trotzdem von den Volturi-Wächtern in handliche Stücke zerlegt wird. Gut, manch einer würde sagen, es wäre schlichte Geldmacherei, aus solch einer nebensächlichen Figur noch eine eigene Geschichte zu spinnen, aber wie Frau Meyer im Vorwort mehr als einmal zu versichern weiß, existiert das vorliegende Buch nur, weil ihr Bree so unheimlich ans Herz gewachsen ist. Von Vorteil für einen fünften Twilight-Film könnte dabei natürlich sein, dass eben jene unwichtige Figur in der Verfilmung des dritten Teils kurz aber wunderbar in Szene gesetzt wird, sodass man problemlos auch nach dem vierten Teil noch einen Teenie-Kassenschlager wird hinterher schieben können.

Halten wir in jede Fall zuerst fest, dass Bree Tanner eine junge Vampirdame ist, die unter der Fuchtel ihres Anführers Riley einer Gruppe Neugeborener angehört und nicht so recht weiß, wofür sie eigentlich da ist. All die anderen Vampire sind so unreif und doof, nur Vampirkollege Diego ist ganz anders als der Rest. Das zeigt sich schon daran, dass Diego im Gegensatz zu den Anderen versucht, seine Opfer so schnell und schmerzfrei wie möglich zu töten und sich allein auf solche beschränkt, die höchstwahrscheinlich von niemandem vermisst werden. Außerdem erscheint er so unglaublich intelligent und versteckt sogar die leergesaugten Körper im Hafenbecken Seattles, um möglichst wenig Aufsehen zu erregen.

Bree hingegen ist das klassische süße kleine Mädchen, zurückhaltend und unglaublich belesen, aber mit ganz schrecklicher Vorgeschichte, das sich natürlich sofort in Diego verguckt, der selbstredend auch eine ganz schlimme menschliche Vergangenheit hatte. Was jedoch beide nicht wissen, man selbst als Kenner des dritten Twilight-Bandes aber bereits weiß, sie gehören jener Armee an, die Victoria später nach Forx hetzen will, um Bella und die Cullens zu erledigen. Das hält Stephenie Meyer natürlich nicht davon ab, den Leser all die Vampireigenschaften noch einmal miterkennen zu lassen, nicht dass sie genau das bereits vier ganze Bücher lang durchexerziert hätte. Was, Vampire verbrennen nicht, wenn sie ins Sonnenlicht kommen? Wirklich, die glitzern dann nur ganz doll? Wie, die sind wirklich so richtig schnell und stark und müssen gar keine Luft holen? Faszinierend, erzähl mir mehr!

Ach Stephenie Meyer, aus uns werden wirklich keine Freunde mehr. Schön, wie du dich schon im Vorwort selbst karikierst: "This is the way it usually works for me: I try to write a short synopsis of what is happening in some other part of the story, and I end up jotting down dialogue." Denn genau so liest sich das Buch. Nichts, was man nicht schon wüsste, dafür aber noch mehr coole Jugendsprache und eine lapidar begonnene Liebelei zwischen zwei Vampiren, die den Großteil der ersten 50 Seiten quatschend in einem Erdloch verbringen. So etwas Langweiliges, nicht einmal für einzelne Kapitel hat es gereicht und bereinigt man den bisherigen Text vom Blutsaugen, Rumrennen und Kinderflirten, bleibt eigentlich so gut wie nichts, maximal ein paar Eigennamen. Schäm dich, das deine Berühmtheit es dir ermöglicht, so schlechte Bücher veröffentlichen zu dürfen.

Wenn sich jemand für die Kritik des vierten Bandes der Twilight-Saga interessiert, bitte hier entlang zur 8-teiligen Reihe: Liebe Stephenie Meyer.

"Plötzlich interessierte mein Vater sich für Vögel. Er wies mich an, vom Dachboden den Armeekoffer seines Onkels zu holen, nahm den Feldstecher heraus und steckte ihn neben das Polster des Sessels. Mittags, wenn Ada am Fluß saß und die Füße ins Wasser hielt, beobachtete er den Buntspechte am Stamm der jungen Birke."

"Die Haushälterin" von Jens Petersen beschreibt eine nicht ganz intakte, aber auch nicht völlig kaputte Beziehung zwischen Vater und Sohn. Philipp erlebt das Auf und Ab seines arbeitslosen Vaters zwischen Alkohol und der heimlichen Liebe zu Ada vor dem Hintergrund seines eigenen Reifeprozesses. Er selbst fühlt sich zu Ada hingezogen, obwohl er nie sicher sein kann, wie viel ihrer Zuneigung echt ist und inwieweit das sieben Jahre ältere Mädchen nur mit ihm spielt. Mit ihr erlebt er die erste Party, die ersten Ausbrüche aus dem eigenen Kindsein und, auch wenn sie nur von ihm ausgeht, seine erste Liebe.

Das Buch liest sich von Anfang an wunderbar, Petersen kann mit wenigen Worten Szenerien schaffen, die dem Leser immer wieder Lust bringen, weiter zu lesen, wissen zu wollen, wie sich die Geschichte zwischen dem Vater, Philipp und Ada weiter entwickelt. Gerade Ada und der Sinneswandel des Vaters ihr gegenüber sind so toll und ausführlich beschrieben, dass man diesen Stellen am Ende fast ein wenig nachtrauert. Ada belebt den Haushalt von Philipp und seinem Vater und beide überschlagen sich förmlich in Gütigkeiten zu ihr. Trotzdem ist die Geschichte oft von so großer erzählerischer Entfernung aus erzählt, dass man sich den Figuren nicht sehr nahe fühlt, nicht zuletzt weil die Geschichte an sich zu wenige Ecken hat, was der eigentliche Makel des Buches ist. Oft hat man das Gefühl, die Leidensgeschichte eines unbeholfenen Bürgerjungen zu lesen, der zwar den eigenen Haushalt, aber nicht sich selbst organisieren kann, nur dass dieses Schicksal einen als Leser auch nicht sonderlich berührt. Petersen schreibt eine ruhige Geschichte, die, wenn auch tragisch, nie so tragisch wird, dass man unheimlich großen Anteil daran nimmt, dafür ist alles einfach zu nett und in seiner Konsequenz zu weich. Gerade deshalb wirkt die letztendliche Wendung so unaufgeregt, vielleicht auch weil Petersen in seiner Schreibweise nie sonderlich explizit wird und alle größeren Konsequenzen nur andeutungsweise vorbringt. Das macht die Geschichte am Ende leider weniger nachvollziehbar, sodass nur eine gegenseitige und offen gelassene Emanzipation von Vater und Sohn bleibt, ein großes Ende, ein Ausblick oder eine Kehrtwende aber fehlt. Ein empfehlenswertes und sehr gekonnt geschriebenes Buch, dessen Handlung allein etwas mehr hätte bieten können.

Jens Petersen: Die Haushälterin
dtv, 176 Seiten
ISBN: 342105786

Wahrscheinlich ist es zu große Phrasendrescherei, zu sagen, man würde den Geschichten anmerken, dass Ulrike Almut Sandig als Lyrikern bekannt geworden ist, treffender ist, dass sie für ihre Geschichten eine Sprache gefunden hat, die den Leser dicht an die jeweiligen Personen heran rückt und sie dennoch immer ein bisschen auf Distanz hält, was sie allesamt ein wenig merkwürdig, aber die Personen gleichzeitig so nachvollziehbar macht. Die Sätze sitzen allesamt, wirken sprachlich so naiv, aber kunstvoll gesetzt und können nur deshalb so genau beobachten. Alle Geschichten kommen ohne große Wendungen aus und kündigen sie im anderen Falle sogar noch an; wenn sie laut werden, weiß man, dass darauf zermarternde Ruhe folgen muss. Im Gegenzug mildert die vorherrschende Surrealität mancher Geschichten die Stimmung ein wenig, bis man sie nur noch so hinnehmen kann, wie sie sind – dass genau dass die Figuren dann auch tun, ist bei weiterer Überlegung eine tolle Idee. Die entrückten Orte, die irgendwo im Osten Deutschlands zu sein scheinen, sind mit so wenigen Worten so toll umrissen, dass in ihnen ohnehin alles ein wenig weltfremd erscheint. Und hierin spielen Ulrike Almut Sandigs Geschichten, klein und ruhig, bis sie den Leser im Nachgang überrollen. Tolles Debüt, da haben die Buchschenker Geschmack bewiesen, da kann man neidisch werden.

Ulrike Almut Sandig: Flamingos
Schöffling, 176 Seiten
ISBN: 3895611859

Hab ich es nun endlich einmal geschafft. Das schöne, gebundene Exemplar, dessen Titel ein Meer aus kleinen Sternen ziert, die allesamt die Aufschrift "AUA" tragen, war schon lange ausgelesen und stand ruhig im Regal. Auf Jens' Seite gab es schon vor Monaten eine kleine Rezension, jetzt folge auch endlich ich und mit etwas Glück habe ich sogar etwas beizusteuern.

In Gewalten, seinem dritten Buch, schreibt Clemens Meyer für den groben Zeitraum eines Jahres über sich und alles, was um ihn herum passiert, verbindet und vernetzt es miteinander, bis am Ende elf Texten dabei heraus kommen, die alle in irgendeiner Weise von Extremen handeln, eben von Gewalten. Nachdem ich begonnen hatte, das Buch zu lesen, wurde mir schnell klar, warum Meyers früheres FAZ-Blog mit einem Mal so sang- und klanglos versiegte, kommt einem doch schon die erste Geschichte, in der der Protagonist eine Nacht lang festgeschnallt auf einer Liege in der Psychiatrie zu verbringen hat, sehr bekannt vor, wenn sie auch deutlich umgeschrieben wurde.

Wie zu erwarten sind die Texte verdammt gut und spielen teilweise so ausgezeichnet mit Realität und Fiktion, dass es einem am Ende vollkommen egal ist, was jetzt nun eigentlich wahr und was falsch sein sollte, weil schon das Spiel damit ausreicht, zu beeindrucken. Dass es mir persönlich dabei manchmal schon etwas zu surreal wird, ist nur mein Geschmack, richtig genossen habe ich hingegen die Geschichten über die Stadt M, den Casinobesuch in Hannover, die Pferdewetten und das Ortsderby. Wer weiß, ob es daran lag, wie Jens gemutmaßt hat, Erwartungen bedienen zu wollen, dass auch große politische Themen wie z.B. die Gefangenencamps von Guantanamo und der Amoklauf von Winnenden mit eingeflochten werden, fest steht für mich dabei nur, dass sie längst nicht so gut funktionieren und ausstaffiert sind, wie all jene Dinge, bei denen einen direkteren Bezug Meyers erspüren kann und man so auch gern hätte darauf verzichten können. Wirklich komisch finde ich allein, dass sich auch Meyer an, wie soll ich es nennen, einer jugendsprachlichen Episode versucht hat, jener über das Computerspiel "German Amok", wie es bspw. auch schon Daniel Kehlmann in seinem neunteiligen Roman "Ruhm" probiert hat und grandios dabei scheiterte, als er in einem Teil des Romans versuchte, in Internetsprache zu schreiben. Das wird all jene freuen, die absolut keinen Bezug dazu haben, das Feuilleton und die Verleger, die nicht verstehen, was ihre Kinder da am Computer machen, die werden es frisch, peppig und echt finden, aber so bleiben nur ein paar gerittene Klischees.

Davon abgesehen ist Gewalten ein starkes Buch, das von Verlust, dem ganz normalen Leben und dem Exzess so zu berichten weiß, wie man es von Clemens Meyer gewohnt ist, absolut gekonnt geschrieben, nur thematisch nicht allzu weit entfernt von den beiden Vorgängern. Ich bin gespannt auf das nächste Buch.

Clemens Meyer: Gewalten
Fischer, 223 Seiten
ISBN: 310048603X

Der Unbekannte, auf dessen Visitenkarte Besdommy nur den Anfangsbuchstaben "V" erkennen konnte, in Gänze aber bald in seiner Rolle als Teufel Voland genannt, verfrachtet unterdessen Lichodejew, den Direktor des Moskauer Varietétheaters, auf mysteriöse Art und Weise nach Jalta, nicht jedoch ohne sich vorher von ihm einige Auftritte im Theater arrangieren zu lassen. Da Lichodejew fürs Erste auf dem Weg ist, zieht Voland samt seinem Gefolge, einem übergroßen schwarzen Kater namens Behemoth, Volands Diener Korowjew, bzw. Fagott, ein womöglich ehemaliger Kantor, der sich aber auch als Dolmetscher ausgibt, seinem Handlanger Asasello und dem Hausmädchen Abadonna, in dessen Wohnung ein. Fortan sind Voland und seine Begleiter für alle möglichen Unheimlichkeiten in Moskau zuständig, so geben sie bspw. ein Vorstellung in schwarzer Magie im Varietétheater, von der noch ewig gesprochen wird, sie bringen falsches Geld unter die Leute oder lassen hin und wieder jemanden verschwinden.

Bald jedoch machen sie Margarita ausfindig. Sie ist die frühere Geliebte des Meisters, der auf Grund seines Romans verhaftet worden war und weiß seitdem nicht, wo er sich aufhält. Voland und seine Leute laden Margarita ein, ihr bei einer Sache behilflich zu sein, für die nur sie allein geeignet sei und auch reich entlohnt werden soll und Margarita willigt ein, mehr soll vom Inhalt an dieser Stelle nicht verraten sein.

Ich glaube, über dieses Buch könnten ganze Arbeiten geschrieben werden, erst weil es schon schwierig genug ist, die gesamte Handlung zusammenzutragen, insbesondere da mindestens zwei, eher drei Geschichte, miteinander verworben werden, zweitens, weil es enorm viel zu interpretieren gibt. Darum sei hier darauf hingewiesen, dass alles Folgende keinesfalls Anspruch auf Vollständigkeit oder Wahrheit hat.

Als ich in Paris war und gerade Der Meister und Margarita von Michael Bulgakow las, dachte ich, ich würde eine Weile brauchen, um mich durch die 500 Seiten Kleingedrucktes zu arbeiten. Aber ganz im Gegenteil, abseits der anfänglichen Verwirrung, da auf den ersten einhundert Seiten so ziemlich alle Personen des Buches mit ihren jeweils eigenen Geschichten eingeführt und bereits damit begonnen wird, die verschiedenen Erzählstränge des Buches mit einander zu verweben, fand ich das Buch gleich von Anfang an wunderbar zu lesen. Voland und sein Gefolge sind so großartig grotesk und lustig, dass man sie von Beginn an toll finden muss, auch wenn auf ihr Konto eine Menge Ärger und ein paar Tote gehen.

Das überbürokratische Moskau erhält also Besuch vom Teufel höchstpersönlich und wird gehörig aufgemischt. Je weiter man im Buch voran kommt, desto mehr wirken Teufel und Kumpanen jedoch nicht nur wie jene, die da sind, um Verwirrung zu stiften, sondern auch, um mindestens zwei quasi-gescheiterten Existenzen zu helfen. Es ist schwer, viel über die Tiefe des Romans zu sagen, ohne etwas vom Inhalt zu verraten, aber es ist schön zu lesen, wie die Figur des Teufels Voland nicht nur als Unheils- sondern auch als Glücksbringer verwendet wird, wie verzweifelt die ordnungsbewussten Moskauer mit der chaotischen Bande umzugehen versuchen und wie Meister und Margarita wieder zu einander finden dürfen.

Ich würde nicht so weit gehen wie das amerikanische Mädchen in einem Gibert-Jeune-Laden, das ihren Begleiter beim Anblick dieser schönen Ausgabe immer und immer wieder darauf hinweisen musste, Der Meister und Margarita sei "the best, the best book I probably ever read!", dafür fehlt mir wahrscheinlich das Gespür für die Stimmung eines Moskaus vergangener Zeiten, aber nichtsdestotrotz gehört das Buch zu den/meinen sehr guten.

Der Meister und Margarita
Sammlung Luchterhand, 512 Seiten
ISBN: 3630620930

Mehr und mehr festigt sich in ihm die Ansicht, dass der normale westliche Mann, und damit auch er selbst, bei der modernen westlichen Frau keine Chance mehr hat. Sie jagen beruflich erfolgreichen, aufmerksamen, romantischen, etc. Traummännern hinterher, also einem Wunschbild, das der Stino-Mann nie und nimmer zu erfüllen vermag. Nichtsdestotrotz hat er auf der Rundreise Kontakt zu Valérie geknüpft, einer erfolgreichen und schönen Frau, die in Paris in hohem Posten in der Tourismusbranche arbeitet.

Sie kommen zusammen, wohnen bald in einer gemeinsamen Wohnung und sehen beide das Problem, das manchmal erst weite Strecken zurück gelegt werden müssen, um Mann und Frau sexuell das bieten zu können, wonach sie in ihrer Heimat vergeblich suchen. Als Valérie und ihrem Chef Jean-Ives dann leitende Stellen beim größten Tourismuskonzern Frankreichs angeboten werden, gepaart mit der Aufgabe, eine wenig florierende Hotelkette zu sanieren, kommen die drei auf die Idee, ein neues Geschäftsmodell zu erfinden.

Mit Plattform habe ich nun auch den letzten von Houellebecqs Romanen gelesen, erst Ausweitung der Kampfzone, dann Elementarteilchen und zuletzt Die Möglichkeit einer Insel. Ab jetzt heißt es also warten auf den nächstens und bis dahin den Blick auf die Essays, pardon, Interventionen schweifen lassen, denen im Oktober mit Ich habe einen Traum übrigens ein zweiter Teil folgen wird.

Im Gegensatz zu "Die Möglichkeit einer Insel", wo ich erst eine Weile brauchte, um mich in das Buch einzulesen und es im Endeffekt dann nichtsdestotrotz sehr gut zu finden, lässt einen Plattform von Anfang an nicht mehr los. Das ganze Buch ist durchzogen mit Gedanken des Protagonisten Michel und Erklärungen zu allen möglichen Dingen, zur Gesellschaft, zur Philosophie, Tourismus und der Beziehung zwischen Mann und Frau und vermengt das Innerste des Protagonisten mit Geschehnissen, wie sie genau in jetziger Zeit passieren. Natürlich wird es da, wenn man das so sagen kann, Houellebecq-typisch ein wenig subjektiv und teilweise so, dass sich mancher sicher an den Äußerungen reiben möchte, aber gerade dadurch, dass im Buch immer bewusst Stellung bezogen und diese auch gnadenlos vertreten wird, fühlt man sich den Figuren schnell sehr nahe und durchlebt mit ihnen, ganz egal ob man ihre Einstellungen nun teilt oder nicht, ihre Geschichte. Ebenso braucht man bei Houellebecq nicht zu erwarten, dass er sonderlich harmlos mit den Menschen allgemein ins Gericht geht, im Gegenteil, wie schon in seinen anderen Büchern, ist auch Plattform eine subtile Abrechnung mit der Gesellschaft Frankreichs und Europas, den Menschen überhaupt, in diesem Fall besonders bezogen auf das Finden eines geeigneten Lebenspartners und Tourismus in all seinen Formen.

Gleichsam wie hart Themen wie Islamismus, Nationalitäten und den zugehörigen Typen umgegangen wird und wie ausgiebig es um Sex geht, muss die immerwährende Melancholie erwähnt werden, die fast das ganze Buch durchzieht. Irgendwo zwischen Resignation und steter Trauer wandeln die Figuren Houellebecqs dahin, finden zu einander, gehen auseinander, im besten Beckettschen Sinn scheitern sie und beginnen immmer wieder neu, nur um nochmals und immerfort zu scheitern. Das macht Houellebecqs Bücher nicht unbedingt zu besten Selbstheilungs- und Selbstfindungsbücher, obgleich man nie umhin kommt, sich nicht trotzdem darin wieder zu finden, bzw. wenigstens so vieles um sich herum, denn man selbst will sich ja, genau wie es seine Figuren immer bis zu einem bestimmten Punkt versuchen, nicht so sehen, wie man die Anderen sieht, deshalb sind sie ja die Anderen. Fällt diese Trennung erst einmal weg, ist man nichts Besonderes mehr, aber hat die Chance, mit dem einmal klaren Blick eben genau dieser Stino-Mentalität zu entfliehen. Den Figuren in Plattform gelingt dies genau so, wie es ihnen gleichsam nicht gelingt und gelingen kann, das macht das Buch so kurzweilig und gleichzeitig tiefgründig. Ich hab's genossen.

Michel Houellebecq: Plattform
rororo, 352 Seiten
ISBN: 3499233959

Ganz unten angekommen versucht er sich irgendwie auf der Straße als schlechter Pantomime durchzuschlagen und erfährt durch Zufall die Herkunft der Kugel in seinem Kopf. Überdies wird er von einer Gruppe Clochards aufgenommen, die in einem der Schrotthaufen einer Müllhalde leben und Nacht für Nacht Schrott sortieren, wieder aufbereiten und reparieren. Jedes Mitglied dieser Gruppe ist auf seine Weise speziell, da gibt es unter Anderem Calculette, die mit Zahlen so schnell wie ein Computer umgehen kann, die lebende Kanonenkugel Fracasse, den sprichtwortbegeisterten Quasi-Poeten Remington oder die Schlangenfrau Caoutchouc. So findet Bazil schnell Anschluss und reiht sich ein in diese Truppe voller Sonderlinge, die kurzum beschließt, dem Hersteller der Kugel in Bazils Kopf, einem Waffenhändler mit Sitz ebenfalls in Paris, sowie dem Hersteller jener Mine, die seinem Vater in Algerien das Leben gekostet hat und der zufällig gegenüber des anderen Waffenhändlers sitzt, das Geschäft vermasseln.

Von nun an spionieren sie so gut sie können und machen sich ihre Ticks und Fähigkeiten zu nutze, mehr und mehr an Schlagkraft zu gewinnen, immer wieder durchsetzt mit vielen kleinen Albernheiten, die ihre Charaktäre nun einmal hergeben. Gemeinsam stehen die Schrott sortierenden Clochards der Verbissenheit skrupelloser Geschäftemacher gegenüber, so naiv, dass man sich ganz von allein auf ihre Seite schlägt.

Direktmicmacs

Jean-Pierre Jeunet, für alle, die es nicht wissen, der Regisseur von "Die fabelhafte Welt der Amélie" hat auch mit Micmacs wieder einen Film gemacht, dessen Bilder für sich genommen schon sehr toll sind und der viele wunderbare kleine Ideen zu einem großen Ganzen zusammen fügt. Man denke nur als Bazils beschwörerische Fragen, die er immer wieder vor sich hin murmelt, um sich wieder der Realität zu vergewissern ("Wie oft muss man eine Treppenstufe benutzen, bis sie sich abnutzt?" etc.) oder die Kunstwerke, die Petit Pierre in regelmäßigen Abständen seinen Mitstreitern präsentiert.

Trotzdem mag es entweder an der Synchronisation gelegen haben oder an dem womöglich manchmal doch sehr eigenen französischen Humor, dass mir Bazils zeitweise Verwandlung zum Kauderwelsch brabbelnden Clown ein wenig zu weit ging und nicht so recht in das bisher von ihm gezeichnete Bild passen wollte. Wo "Die fabelhafte Welt der Amélie" noch bunt und kräftig war, ist Micmacs nicht weniger kräftig, dafür aber relativ dunkel und sepiafarben. Gleichzeitig spielt Micmacs aber nicht wie Amélie mit den "großen Themen" à la Liebe, Sinn und dem Leben an sich, sondern schrammt all das nur am Rande, vordergründig dreht es sich doch immer darum, wie eine Gruppe kauziger Gestalten mit der rationalen Welt konfrontiert wird. Natürlich wirkt wieder alles verspielt und sehr detailverliebt, aber sich als Kernthema ausgerechnet das Ausheben von Waffenhändlern vorzunehmen, empfand ich dann doch als zu großen Kontrast zur Athmosphäre des restlichen Films und ebenso zu dünn. Mit einer Amélie als Kellnerin, die ein liebevoll verschrobenes Leben führt und ihr eigenes kleines Märchen erlebt, konnte ich leben, aber ich frage mich, ob ich sie auch als kleine Jean d'Arce mit Bobschnitt gemocht hätte, die in ihrer Freizeit gegen bonihungrige Investmentbanker angeht. Auch dafür, dass man sich genau so ein Thema ausgesucht hat, ist es ein wenig zu dünn bedient und lebt mehr von der witzigen Darstellung der Kleinen gegen die Großen, mit einem Schritt zurück betrachtet gibt die Story an sich jedoch relativ wenig her und ist dafür nicht märchenhaft genug.

Es war keinesfalls schlecht, Micmacs gesehen zu haben, aber auch kein Muss. Der Film zeigt wunderbare Bilder und spielt mit vielen tollen Einfällen, ist aber in seiner Gesamtkomposition doch nicht so etwas, das man als Meisterwerk bezeichnen würde, allenfalls visuell.

Micmacs - Uns gehört Paris!
Frankreich 2009
Regie: Jean-Pierre Jeunet
Buch: Jean-Pierre Jeunet, Guillaume Laurant
Mit: Dany Boon, André Dussollier, Nicolas Marié, Jean-Pierre Marielle, Yolande Moreau, Julie Ferrier, Omar Sy, Dominique Pinon, Michel Crémadès, Marie-Julie Baup
Kinowelt, 104 Minuten
Offizielle Homepage